Beethoven, tout au long de sa vie, a créé une musique qui a repoussé les limites de la tonalité. Dans la période classique, il y avait des «règles» pour savoir jusqu'où vous pouviez pousser ces limites, régies par des techniques contrapuntiques qui ont évolué à partir du XVIe siècle.

Dans les œuvres ultérieures de Beethoven, vous commencez à entendre de plus en plus de dissonance. Musicalement parlant, la plupart des spécialistes de l'histoire de la musique conviennent que Beethoven a inauguré la période romantique. Au fur et à mesure que la musique progressait, différents compositeurs ont repoussé les limites de la consonance vs la dissonance avec des modulations, des échelles alternatives et même l'atonalité; ainsi que de questionner et d'élargir tout ce qui concerne la musique (instrumentation, complexité rythmique, notation, etc.)

Comme Beethoven a ouvert la voie aux compositeurs de la période romantique pour devenir plus indépendants des «règles» du passé Wagner l'a fait pour les compositeurs du 20e siècle. Cela ne veut pas dire que Wagner est le seul compositeur qui a influencé le changement, mais il a eu l'un des impacts les plus importants sur les futurs compositeurs.

Le concept de dissonance soutenue a été porté à son apogée par Arnold Schoenberg et son concept de composition atonale ou pantonale. Cependant, toute évolution musicale n'est que cela: l'évolution. Le processus de changement musical n'est généralement pas soudain.

Y a-t-il un moment de l'histoire où la dissonance est devenue acceptable? Il n'y a pas vraiment de date précise. Schoenberg n'a même pas commencé à écrire de la musique atonale; son style précoce est très romantique. C'était un révolutionnaire et il a grandement affecté la culture musicale autour de lui au début des années 1900. Cependant, il a fallu du temps aux gens pour accepter ses théories. Cela pourrait expliquer pourquoi vous entendez un changement au milieu des années 1900.

J'espère que toutes ces informations vous aideront.

Modifier: En ce qui concerne les pièces spécifiques vous l'avez souligné, voici quelques commentaires sur la progression des styles musicaux qu'ils représentent:

• Rachmaninov représente un son romantique luxuriant
• Samuel Barber évolue plus loin dans un style du XXe siècle, avec beaucoup de dissonances soutenues, mais à un moment donné résolues
• L'Agneau n'est pas atonal, mais sonne tonalement ambigu en raison de son utilisation des altérations;
• Puis à Water Night , où Whitacre utilise une technique appelée pandiatonicisme (en utilisant toutes les notes de la gamme en grappes) mais en restant dans la tonalité ou dans les touches associées. Son concept de dissonance soutenue sans résolution donne un son innovant très puissant.

Je trouve le Tavener et le Whitacre très harmonieux et beaux. D'un autre côté, les quintes et quarts parallèles de l'orgue médiéval me semblent désagréables et choquants, bien qu'ils sonnent probablement mélodieux et doux pour les interprètes originaux.

Je vois deux façons d'interpréter votre question.

1. Quand l'utilisation de la dissonance est-elle passée de choquante et discordante à pacifique et résolue?

Cela ne s'est jamais produit, en ce sens que tout ce qui est choquant et choquant pour un particulier les oreilles de la personne sont "dissonantes", et tout ce qui est pacifique et résolu est "consonne".

1. Quand telle ou telle dissonance est-elle devenue une consonance?

Cela arrive tout le temps. Entre les époques médiévale et baroque, les quintes parallèles sont passées de la consonance à la dissonance - une seule quinte ouverte n'est pas dissonante, mais une série d'entre elles semble étrange et fausse. Dans le même temps, le tiers majeur est devenu une consonance.

Je pense que la réponse spécifique à votre question "quand les dissonances du début du XXe siècle sont-elles devenues consonances" est "quand le morceau de musique classique a utilisé pour la première fois un accord de sixième ajouté comme fin. " Par exemple, C-E-G-A-C en ut majeur. Cela s'est produit dans le jazz et la musique classique, à Ravel et Bix Beiderbecke par exemple. Je ne sais pas lequel des deux était le premier; Ravel était un fan de jazz et Bix était un fan de Ravel. Il apparaît dans le "Gollywog's Cakewalk" de Debussy mais pas dans les vraies promenades sur le gâteau qui ont influencé Debussy. Peut-être qu'il apparaît dans Faure ou Wagner; Je ne sais pas, je vais devoir l'écouter attentivement. Vous l'entendez certainement tout le temps dans le jazz à partir des années 1920. (Nous ne savons pas grand-chose des accords utilisés dans le jazz au cours de ses deux premières décennies, des années 1890 jusqu'à son enregistrement vers 1917.) Messiaen utilise très fréquemment cet accord. C'est peut-être ce qui a amené Pierre Boulez à penser que la musique de Messiaen est une "musique de bordel".

La "Creation du Monde" de Milhaud a été influencée par le jazz, et le tout dernier accord ajoute le ton principal (c'est-à-dire si dans un accord en ut majeur). C'est juste incroyablement beau, et si la ligne mélodique était GABC au lieu de GA-Bflat-B, ce serait agréable mais sans intérêt.

(Edit: j'ai soudainement réalisé que la fin de "Creation du Monde" arrive presque directement à partir du salon de coiffure cliché "Bons amis" se terminant! (Ajouté le 6: CEGA. Bons amis: CEG-Bflat. Milhaud: CEGB.) Donc, si vous pouvez trouver la première utilisation de "Bons amis", vous j'ai une réponse.)

Je ne suis pas non plus un spécialiste de l'histoire de la musique, mais je pense que la dissonance a commencé à être prise en compte avec la modulation continue utilisée par Wagner dans ses compositions. Il est souvent considéré comme le père du chromatisme.

Après Wagner, nous avons Debussy. Il a créé une toute nouvelle gamme, l'échelle hexatonique (CDEF # G # A #) où l'accord C fondamental (CEG) est devenu un accord C "étrange", CEG #. Ainsi, continuant la destruction du système tonal, commencé par Wagner.

Nous pouvons continuer encore et encore, l'un de mes préférés est Béla Bartók, ses œuvres sont complètement hors du système tonal. Il a étudié des chansons folkloriques anciennes, qui ont été composées sans aucune connaissance du solfège et où la dissonance était paisiblement présente.

Dans "Water Night", de Whitacre, il n'y a pas de clé, ce qui le rend parfaitement compréhensible qu'il garde construire à partir du cinquième accord, passe à un septième, un neuvième, et ainsi de suite.

Pour faire court: Wagner a commencé à rendre la dissonance acceptable.

EDIT: Quand je dis "dissonance a commencé à être pris en compte "Je veux dire quand la dissonance a commencé à être étudiée, non seulement utilisée pour créer des tensions simples et des modulations simples.

Honnêtement, la dissonance a été acceptable tant qu'il y a eu des harmonies sans octave . Cela peut sembler idiot, mais définissons d'abord la dissonance - 2 notes ou plus dont les harmoniques ( http://en.wikipedia.org/wiki/Harmonic_series_(music)) ne correspondent pas. Cela signifie que toute paire de notes non-octave, non-unisson (non-octave et une cinquième, non-2 octaves et une troisième, etc.) pourrait être considérée comme dissonante. C'est en partie pourquoi le premier plain-chant (également connu sous le nom de chant grégorien ) est principalement chanté à l'unisson. La correspondance des harmoniques crée un son puissant et résonnant . Lorsque les harmoniques ne correspondent pas (comme dans le cas d'une tierce majeure), la résonance est quelque peu diminuée, mais elles créent un son agréable (ou crunching, dans le cas de la seconde mineure) comme les notes et leurs harmoniques vibre à des taux différents . Avoir les harmoniques supplémentaires crée une plénitude de son, c'est pourquoi les accords sont si favorables.

Mais je m'égare.

En termes d ' intervalles spécifiques , la définition de la dissonance a beaucoup changé au cours de l'histoire de la musique. Pour l'instant, je ne peux parler de musique occidentale que depuis la Renaissance. À la Renaissance, les quarts parfaits étaient considérés comme incroyablement dissonants et n'étaient pas utilisés dans une grande partie de la musique écrite à cette époque. Maintenant, un quart parfait est considéré comme l'une des consonnes les plus stables. Les intervalles d'harmonie préférés sont déterminés par ce à quoi vous êtes habitué. Un excellent exemple de ceci est Charles Ives (je ne peux pas publier plus de 2 liens, alors mettez ceci à la fin de l'url wikipedia: wiki / Charles_Ives), dont le père lui a fait chanter des chansons en une clé complètement différente. En conséquence, Charles Ives a écrit ce que nous appellerions de la musique extrêmement dissonante (

TL; DR

Voici ce qui se passe:

Une génération (G1) a un type d'harmonie qu'elle aime et auquel elle est habituée. Leurs enfants (G2) grandissent en entendant cela, et c'est le fondement de «ce qu'est la musique» pour eux. Ils grandissent et quelques membres testent et repoussent les limites de ce qui pourrait être considéré comme « nouveau » et encore « musical ». Il y a une poussée de G1. G2 aime la musique, et leurs enfants, G3, grandissent avec cela comme fondement de «ce qu'est la musique». C'est ainsi que Perfect Fourths est passé d'une dissonance à la Renaissance à une consonance au baroque.

Vous, cependant, vous vous demandez probablement pourquoi la dissonance est si largement utilisée comme outil de composition pour les compositions modernes d'aujourd'hui . Eh bien, nous pouvons blâmer cela sur la 2ème école de musique viennoise (wiki / Second_Viennese_School) et les mouvements musicaux suivants Avant Guarde et Experiment (wiki / Avant-garde_music et wiki / Experimental_music respectivement).

Ces personnes voulaient créer des sons qui n'avaient jamais été créés auparavant. Ils ont réussi, mais à mon avis, ils sont aussi la principale raison pour laquelle la musique orchestrale / non pop est devenue si impopulaire.

Comme le suggèrent les autres réponses, il n'y a pas de moyen simple de répondre à cette question, car ce qui compte comme "dissonance" a changé avec le temps, tout comme l'utilisation ou l'évitement de ce que les gens considéraient comme dissonant. J'ajouterai simplement qu'il y a beaucoup de musique médiévale qui a ce que la plupart des auditeurs modernes appelleraient la dissonance. Par exemple, regardez Viderunt Omnes de Pérotin, d'environ 1200 à beaucoup de secondes, même sur des rythmes forts, par exemple à 1:28:

Il y a des degrés de dissonance, et au cours de l'histoire de la musique, les compositions musicales sont devenues plus tolérantes à des degrés croissants de dissonance et utilisent plus souvent une dissonance plus aiguë. C'est un continuum. Il n'y a pas eu de moment identifiable auquel tout cela a changé.

Je suis un pianiste et auteur de jazz classique professionnel.

Parfois, quand vous essayez de décrire quelque chose de "dissonance", cela vous donne du fil à retordre. Parce qu'il est important de savoir ce qui est avant et après les intervalles / l'accord que nous essayons de décrire.

La dissonance n'est pas devenue acceptable avec certains compositeurs. C'était toujours avec nous. Nous essayons de le nommer. Il y a une phrase qui dit: "L'art imite la nature. Même une chose très simple peut nécessiter une grande complexité pour pouvoir imiter la nature." Arnold Schoenberg créateur de la musique Atonal.

Si vous ne parlez que de quelques intervalles qui ont été utilisés dans de grands morceaux - ce qui nous ferait l'accepter - vous devez vérifier J.S. Compositions de Bach. Il existe de nombreux sons de dissonance d'une excellente beauté.

D'un autre côté, si vous parlez d'attitudes conceptuelles dans les mouvements harmoniques, vous voudrez peut-être vérifier Stravinsky.