L'apprentissage des licks et des solos par d'autres musiciens peut être utile à cet égard. Évidemment, vous voudrez développer votre propre voix, mais aucun musicien n'existe dans le vide et il est vraiment utile d'apprendre et d'analyser (même inconsciemment) le genre de choses que les musiciens que vous admirez ont joué. En fonction de votre style et de la direction dans laquelle vous voulez aller, il peut être utile de se concentrer également sur d'autres instruments (j'ai transcrit des solos de saxophones et de trompettistes pour aider mon jeu de guitare, et j'ai essayé d'apprendre les voix d'accords de des pianistes autant que possible).

En fait, il est probablement utile de passer du temps avec des styles de musique totalement différents des vôtres, pour apprendre l'ampleur et l'étendue des techniques disponibles. Pensez à la façon dont Bach développerait une phrase par contrepoint et à l'interaction de phrases similaires. Écoutez la Cinquième Symphonie de Beethoven et la façon dont il développe un simple motif de quatre notes au cours d'une pièce de musique d'une demi-heure. Pensez à la multitude de façons dont ce concept de développement de phrases ou de motifs a été abordé, par Wagner, Copland, Coltrane, Clapton, etc. Chacun d'entre eux a produit toute une vie de musique à explorer et à apprendre.

Essayez également d'y penser en termes de développement d'une phrase. Les idées ne sont souvent pas entièrement formées pour un musicien improvisateur. Au lieu de cela, nous prendrons une phrase, soit inventée, soit du contenu de la mélodie selon le cas, et l'exposerons, en utilisant la variation et l'invention pour apporter notre propre vision et nos propres idées au cadre dans lequel nous travaillons. J'ai négligé de le mentionner au début parce que cela semble évident, mais soyez sûr que vous connaissez la chanson . Nous, guitaristes, sommes particulièrement enclins à apprendre les changements mais pas la mélodie de la chanson. Si vous avez la mélodie bien en main et en tête, cela vous aidera à garder votre improvisation "en contexte" pour ainsi dire, et ce sera une riche ressource pour les idées mélodiques.

Il y a, bien sûr, beaucoup de choses techniques à penser dans le mix, des idées qui peuvent vraiment couvrir tout le spectre de la musique. Une brève sélection de mes favoris pourrait inclure:

• Phrasing / Rhythm : Pensez à la façon dont vos phrases se développent. Jouez-vous droit quart / huitième / double croches? Peut-être pourriez-vous introduire des triplés dans le mix, ou même des polyrythmies plus complexes si vous vous sentez ambitieux. Passez du temps sur l'évolution de ces modèles à travers vos phrases. La construction d'énoncés mélodiques plus lents ou plus simples à des énoncés plus rapides ou complexes est une technique courante. Essayez cela ou essayez de le renverser. Pensez aussi à la longueur de vos phrases, à la syncope, à l'utilisation de silences ou de notes soutenues pour briser une phrase. Une autre chose utile, en particulier pour les guitaristes (et en fait les joueurs de tout instrument qui n'est pas soufflé), est d'essayer d'être plus conscient de votre respiration lors de la planification de la longueur et du rythme de vos phrases. Cela peut donner une sensation plus «naturelle» à votre jeu.
• Mélodie : quelles formes utilisez-vous pour vos mélodies? Si vous avez l'impression d'utiliser des gammes, essayez de pratiquer les arpèges et essayez de les diviser, de changer de direction, de ne répéter que certaines notes. Imaginez un contour (pas nécessairement précis) de votre mélodie. Est-ce répétitif, est-il ascendant, est-il descendant, est-ce partout? Essayez de dessiner une ligne ondulée sur un morceau de papier, puis d'improviser une mélodie en suivant le contour de cette ligne. Refaites-le avec une forme différente. Découvrez comment ces formes peuvent affecter les sentiments exprimés dans votre phrase.
• Harmonie : comment votre mélodie est-elle liée à l'harmonie du morceau? Pourriez-vous faire un choix différent qui le rendrait plus intéressant? En tant que joueur de jazz, une de mes astuces préférées pour «sortir» est de prendre un court motif et de le répéter à un intervalle arbitraire. Peut-être que vous pourriez choisir des notes du mode Dorian plutôt que le mineur naturel sur cet accord. Évidemment, cela dépendra un peu de vos connaissances théoriques musicales et du style dans lequel vous jouez.
• Articulation : Comment frappez-vous les cordes? Jouez-vous au legato ou au staccato? Pliez-vous un peu ou beaucoup de notes, ou pas du tout? Évidemment, expérimentez cela par vous-même pour trouver vos préférences. C'est un domaine en particulier où l'écoute et la transcription d'autres musiciens seront extrêmement utiles. Pourquoi Chet Atkins et Leo Kottke et Yngwie Malmsteen et Stevie Ray Vaughan sonnent-ils chacun si distinctement l'un de l'autre? Ne vous trompez pas et ne dites pas "équipement" non plus - essayez de jouer une phrase comme vous pensez qu'un joueur pourrait le faire, puis un autre joueur.

Passez certainement du temps à écrire des phrases sur papier , aussi. L'improvisation est toujours de la composition, après tout, et les mêmes techniques s'appliquent. Aborder le processus plus délibérément aidera certainement à élargir la gamme d'outils intellectuels sur lesquels vous devrez vous rabattre lorsque vous constaterez que votre intuition «naturelle» pour l'improvisation est poussée à ses limites, et avec le temps, vous constaterez que ces outils sont intégrés dans cette intuition naturelle.

Avec n'importe quel solo, vous voulez raconter une histoire. Les coups de langue, les riffs et les grooves sont vos mots. Les écrivains structurent les histoires comme des arcs narratifs.

Un arc narratif est généralement:

• Exposition: L'introduction de l'histoire dans laquelle les personnages sont introduits, est révélé.
• Rising Action: Une série d'événements qui compliquent les choses pour le protagoniste, créant une augmentation du suspense ou de la tension de l'histoire.
• Climax: Le point de plus grande tension dans le histoire et le point tournant dans l'arc narratif de l'action montante à l'action descendante.
• Falling Action (Anti-climax): Après l'apogée, le déroulement des événements dans l'intrigue d'une histoire et la libération de la tension menant vers la résolution.
• Résolution: La fin de l'histoire, généralement, dans laquelle les problèmes de l'histoire et des protagonistes sont résolus.

Dans les bonnes histoires, il y a généralement une série d'actions ascendantes (et de légères actions descendantes) qui s'élargissent progressivement vers le grand point culminant et la résolution de l'histoire.

Donc, une histoire de solo de guitare pourrait ressembler à ceci:

• Exposi tion: reformulez le crochet ou un autre fragment mélodique

• Action ascendante 1: Commencez à faire muter le fragment en changeant de note, de rythme ou d'octave.

• Action de chute 1: soit énoncez à nouveau le crochet, soit jouez une petite mélodie d'accord sur le fragment ou même arrêtez brièvement.
• Action de montée 2: continuez à faire muter le fragment. Soyez plus audacieux, ajoutez des notes ou des accords qui ne correspondent pas à la gamme. Soyez plus fort. Commencez à utiliser des effets.
• Falling Action 2: Jouez le fragment muté proprement et simplement
• Rising Action 3: commencez à jouer un fragment mélodique complètement différent
• Falling Action 3 : Revenez à votre fragment d'origine ou muté
• Action ascendante 4: commencez à combiner des parties du fragment d'origine et du nouveau fragment et basculez entre les deux. C'est un dialogue et un conflit et c'est intéressant. Tranche et dés, bébé. Peut-être jouer un fragment haut et l'autre bas. Amenez-les à se disputer.
• Action ascendante 5: Continuez à combiner, à changer, à trancher, à découper en dés et à effectuer jusqu'à ce que la déclaration combinée soit maintenant vraiment intense et difficile à jouer et occupée.
• Falling Action: Take sur les parties qui bouleversent (ou sautez cette étape)
• Climax: Ajoutez votre sauce spéciale, tout ce qui fait dire aux auditeurs "Woo!"
• Résolution: énoncez votre fragment d'origine, puis revenez en arrière dans la mélodie.

(Des points bonus pour les nerds qui ont remarqué que ce solo de guitare est une sonate.)

Le conflit dans les actions montantes est généralement décrit comme "tension et relâchez "et la tension peut être tout ce qui est instable: occupé vs clairsemé, funky vs droit, calme vs fort, jouer de haut en bas du cou, ajouter plus de notes chromatiques ou même jouer dans une tonalité différente de la chanson , jouer derrière le rythme ou devant le rythme, lent contre rapide, etc.

Il y a deux aspects importants du solo: le phrasé et la sélection de bons sons cibles . Passez du temps avec l'échelle pentatonique à travailler sur ces deux aspects. La gamme pentatonique fonctionne sur la plupart des accords dans la clé, c'est pourquoi c'est le meilleur point de départ. Travaillez à créer des phrases «significatives» avec l'échelle pentatonique, en utilisant des tons spécifiques que vous choisissez parmi cette échelle comme cibles pour souligner et terminer ou commencer les phrases.

De plus, vous pouvez consulter un livre intitulé "Blues Scales: Essential Tools" de Dan Greenblatt. C'est une très bonne aide à l'apprentissage pour débuter l'improvisation. Réalisez qu'une gamme de blues est en réalité une gamme pentatonique avec une note bleue ajoutée. Ainsi, votre travail sur les gammes pentatoniques et blues est payant ensemble.

C'est un peu comme ce post:

Quelle est la meilleure façon d'apprendre les gammes afin d'améliorer l'improvisation / l'écriture de parties de guitare solo?

Ma réponse a été de «s'inspirer» des autres guitaristes ou de vous-même (en décidant à l'avance comment votre solo sonnera). D'après ce que vous décrivez, vous avez une connaissance des échelles et de la technique. Cependant, le simple fait de faire ce que vous connaissez semble simplement utiliser votre mémoire musculaire sans vraiment appliquer d'humeur. Je peux dire cela parce que parfois je me glisse exactement dans la même situation. Ma réponse a été d'être un peu plus délibérée sur la façon dont vous voulez que votre solo sonne: lisse, doux ou dur et cloquant? Ou un mélange? et quelle humeur aimeriez-vous transmettre? Mélodique? Ou émoussé?

Une autre chose que j'ai trouvée fonctionne très bien lorsque vous jouez des solos en direct: assurez-vous de vous entendre! Parfois, si vous vous noyez un peu, il n'y a pas de place pour `` trouver '' un beau solo et le tremblement de la mémoire musculaire prévaudra. Ou c'est le cas de toute façon avec moi.

Je ne répéterai pas les réponses dans le message que j'ai lié mais j'espère que cela aidera :-)

Je pense que vous devriez améliorer vos compétences jusqu'à un niveau où vous pouvez avoir la mélodie du solo dans votre tête et être capable de la transposer directement sur la guitare.

Cela demande beaucoup de pratique.

Comme le dit mon professeur de guitare "La musique ne vient pas de vos doigts, elle vient de votre tête." Donc monter et descendre les gammes ne veut rien dire / faire quoi que ce soit (c'est-à-dire que vous ne devriez pas jouer uniquement avec vos doigts et espérer que quelque chose sort).

Alors, pratiquez les gammes, écoutez les notes vous frappez dans votre tête et avez la mélodie du solo dans votre tête lorsque vous commencez à le jouer. Finalement, vous devriez être capable de transposer ce solo en musique ... encore une fois, avec suffisamment de pratique.

TL;DR:

Apprenez les solos que vous aimez. Pratiquez les choses qui sont importantes pour vous. Continuez à pratiquer.

La principale leçon que j'ai apprise en jouant de la guitare est que la pratique fonctionne, mais cela prend du temps et il n'y a pas de raccourcis.

Version plus longue: Ce qui a fonctionné pour moi était apprendre les solos d'autres personnes que j'aimais. Et continuez à les pratiquer.

L'un des premiers sur lesquels j'ai commencé à travailler était Sultans Of Swing parce que j'aimais la douceur de Mark Knopfler dans tous les remplissages de cette chanson. Puis je suis passé à Call Me The Breeze (version de Skynyrd) parce que c'était ma chanson préférée à l'époque (années 70 :).

J'ai répété ce schéma à chaque fois que j'entendais quelque chose que je voulais apprendre et mon bonheur niveau avec mon improvisation améliorée. Certaines choses sur lesquelles je me suis concentrée étaient les bons virages, le phrasé simple et la possibilité de basculer entre le médiator et les doigts.

Ce qui m'a aidé, c'est de penser qu'il s'agit de la mélodie vocale pour avoir des idées pour le solo. Utilisez la mélodie vocale comme point de départ et improviser deviendra beaucoup plus facile car vous avez un point de départ. L'auditeur entendra des morceaux de mélodie dans le solo qui leur donneront une sensation de cohésion avec la chanson. J'espère que cela vous donnera un point de départ sur lequel baser votre solo et propulser le solo vers de nouveaux sommets basés sur la mélodie de la chanson.