Ma règle personnelle est d’avoir une ou deux pièces sur lesquelles je travaille, et tout ce que j’arrive juste à «assez bien» avant de passer à autre chose. Je travaille généralement sur la pièce de polissage pendant au moins un mois ou deux, pour des morceaux qui durent environ 1 minute par répétition. Je trouve des avantages à la fois à polir et à avancer rapidement. Et quand j'ai fini de peaufiner, la chanson n'est pas parfaite. Il se peut que j’aie encore une note que j’évite parfois, ou une phrase où j’ai élaboré une variante plus simple de l’original. C'est juste mieux que ce ne serait sans le vernis, et à un moment où j'ai l'impression que plus de temps passé m'apportera très peu d'amélioration.

En apprenant rapidement une nouvelle pièce, je profite de la reprise de nouvelles compétences et techniques, et apprendre où les appliquer, et si je n'aime pas quelque chose, je n'ai pas à continuer à y jouer. Mais il faut beaucoup plus de temps pour maîtriser les choses. En me concentrant sur une pièce pendant des mois, je rend les compétences utilisées dans cette pièce vraiment, vraiment solides. Je peux ensuite les appliquer à d'autres pièces, y compris lorsque je propose des variantes à la volée. Ces pièces deviennent également une base que je peux utiliser lorsque de nouvelles techniques apparaissent, et je souhaite appliquer une nouvelle compétence. En choisissant une chanson ou une mélodie, je peux jouer sans trop y penser, je peux penser à la nouvelle compétence, ou à la nouvelle variation, plutôt que de me concentrer sur la mélodie de base. Ils créent aussi des airs que je peux diriger lorsque je joue avec un groupe.

Au début, il peut être difficile de reconnaître quand il est temps de passer à autre chose. En règle générale, si vous êtes frustré par un morceau que vous avez surtout appris, il est temps de passer à autre chose. Les dernières erreurs sont probablement dues à un manque général de compétences et vous les corrigerez sans même essayer au fur et à mesure que vous apprenez plus de musique. Vous obtiendrez plus d'avantages en passant à la pièce suivante et en revenant à la pièce problématique dans un mois ou deux. Un enseignant est idéal pour vous aider.

Je n’ai pas abordé l’improvisation dans cette réponse, car je ne pense pas que cela fasse une différence si vous devez vous concentrer sur une chanson ou passer rapidement à l’autre. Improviser autour de chansons que vous connaissez à l'envers, en avant et à l'envers est beaucoup plus facile que d'essayer d'adapter une improvisation à quelque chose que vous ne savez pas vraiment du tout. Donc, pour commencer, utilisez les morceaux que vous décidez de peaufiner comme base pour apprendre l’improvisation.

Pour résumer: si vous n’avez qu’une ou deux erreurs mineures, il est temps de passer à autre chose. Revisitez les pièces plus tard, pour vérifier vos progrès. N'essayez pas de peaufiner quoi que ce soit jusqu'à ce que vous tombiez sur une chanson que vous aimez assez bien pour être jouée pendant un mois ou deux.

J'ai voté pour votre question, car c'est une question à laquelle chaque artiste inexpérimenté devrait répondre par lui-même.

Mon conseil est de faire les deux, peaufiner l'ancien tout en essayant le nouveau. J'ai eu des étudiants qui sont venus vers moi n'ayant jamais abandonné un petit ensemble d'exercices, parce qu'ils n'étaient pas "tout à fait parfaits", et j'en ai eu d'autres qui ne se sont jamais concentrés sur quoi que ce soit assez longtemps pour le maîtriser.

Pratiquez beaucoup, variez ce que vous pratiquez et appréciez même le plus petit nombre de progrès, car ce sera le moteur qui vous permettra de continuer.

Comme vous l'avez noté, trouvez un enseignant. Il / Elle peut vous aider à décider quand vous avez atteint un plateau raisonnable. En gros, il arrive un moment où la courbe «amélioration en fonction du temps» devient très plate et beaucoup de travail donne peu de gain. Passer à d'autres morceaux ou à d'autres études vous aide à apprendre différentes compétences, différents modèles d'accords, etc.

Puis 6 mois ou un an plus tard, lorsque vous revenez aux morceaux précédents, vous aurez un tout nouveau ensemble d'objectifs à atteindre (interprétations, par exemple).

Je divise ma musique en deux catégories - affectation et interprétation. Les tâches doivent m'aider à augmenter mes compétences, et une fois que j'arrive à 80-90% de compétence, je sens que j'ai obtenu ce dont j'ai besoin il. Je verrai les mêmes schémas dans la musique future, donc je ne perds pas de temps à peaufiner mes pièces de mission.Les pièces de performance sont une situation différente, où je jouerai cela pour mon plaisir personnel ou pour le public - famille, amis, etc. . Ce sont ceux que vous souhaitez peaufiner.

Le but de jouer du jazz (pour moi du moins) n'est pas de jouer un morceau mot pour mot. Si ça sonne exactement le même à chaque fois que c'est joué, ça peut être génial, mais ce n'est pas du jazz. Essayez de faire en sorte qu'une pièce sonne bien, mais faites-la varier pour qu'une sensation, une mélodie et un rythme différents ressortent à chaque fois. Une fois la mélodie prononcée, faites quelque chose de différent avec. Si vous l'apprenez note par note et que vous la reproduisez à chaque fois, vous n'apprenez pas à jouer du jazz.

L'anecdote suivante (entendue par un pianiste classique virtuose international il y a longtemps, mais malheureusement, je ne me souviens pas qui l'a dite - peut-être Barenboim) répond assez bien à la question.

En tant que jeune étudiant , il apprenait la première sonate pour piano de Beethoven et demanda à son professeur (également un pianiste célèbre) ce qu'il devait faire pour mieux la jouer. La réponse était:

"Eh bien, tout d'abord, vous devriez apprendre toutes les autres [32] sonates de Beethoven [qui, en général, sont beaucoup plus difficiles que la première!]. Et aussi les 5 concertos pour piano . Et toute la musique de chambre de Beethoven avec des parties de piano. Cela pourrait vous aider si vous appreniez à diriger toutes les symphonies.

"Après avoir fait cela, vous pouvez commencer à déterminer par vous-même comment la première sonate est vraiment destinée à être jouée ... "

La même méthode s'applique à tout autre genre musical, bien sûr. On ne" finit jamais d'apprendre "aucun morceau de musique . Il y a toujours autre chose à découvrir à ce sujet.

Afin de rendre les choses jazzy, le concept de swing entre en jeu. Le Jazz Theory Book devrait reprendre cela, mais c'est un sujet quelque peu glissant. Il devrait y avoir des livres de méthode de jazz (ou d'autres médias) pour le piano, où l'on peut écouter des exemples. Je commencerais par ça. Ensuite, vous pouvez rendre n'importe quel exercice à l'échelle jazzy ...

Vous devriez peut-être vous concentrer d'abord sur les gammes. faites-les lentement mais sûrement. cuz, les musiciens de jazz jouent sur toute la gamme (motifs, rythmes, etc.) font des exercices avec les doigts, par exemple czerny, hanon. les deux pratiques que j'ai mentionnées ci-dessus peuvent ne pas vous faire «balancer», mais elles aident à des charges en ce qui concerne la force et la dextérité de votre doigt. Fyi, Oscar Peterson a joué au piano du lever au coucher du soleil. Il a commencé avec des gammes, des exercices avec les doigts et autres, en passant par les morceaux classiques. Après cela, il faisait des exercices rythmiques (il suffit de se déchaîner) et jouer avec un métronome. c'est là qu'il a eu son "swing". On ne peut jamais rien apprendre de «vite» en musique. Cela viendra avec la pratique, ce qui prend du temps même pour les meilleurs d'entre nous. Sauf si vous êtes Mozart lol. hé, j'espère que cela aide. bravo.