Je pense qu'un excellent morceau pour commencer est le C-Jam Blues de Duke Ellington. Il s'agit du blues à 12 mesures le plus simple que vous puissiez trouver.

Commencez par discuter de la forme générale du morceau: jouez à travers la tête, jouez des solos sur les changements, répétez la tête, arrêtez. Vous pouvez passer en revue quelques styles de solo comme la pentatonique stricte, les gammes de blues complètes, divers modes au cours des changements, l'échange de huit, le solo de basse, le solo de batterie. Ensuite, passez tout le premier cours restant sur cette chanson. Ne t'arrête même pas. Continuez simplement la section rythmique et prenez un ou deux refrains entre chaque soliste pour souligner les bonnes choses que le soliste précédent a faites ou pour lancer des idées que personne n'a encore essayées.

Je pense que cela pourrait faire un début vraiment solide. Mais je ne sais pas trop où aller à partir de là pour les cinq classes restantes. Un programme vraiment ambitieux pourrait se retrouver avec du free-jazz dans le dernier cours. Le choix d'un morceau final peut faciliter la sélection des morceaux intermédiaires.

Ou vous pouvez développer en fonction du temps et peut-être faire un Rock-n-Roll ou Rhythm-n-Blues air comme Johnny B. Goode ou Twist-n-Shout .

... toutes ces idées jusqu'à présent sont pour travailler avec le groupe entier. Mais vous voudrez peut-être vous diviser en petits ensembles pour travailler sur la communication et l'écoute. Cela peut dépendre de l'espace avec lequel vous devez travailler.

J'aborde cela d'un point de vue complètement différent, mais je vais lancer mon idée car il semble que vous ayez besoin de plusieurs activités différentes.

Il existe une tradition d'improvisation et d'ornementation dans musique baroque qui pourrait sembler plus accessible aux musiciens classiques. Il existe de nombreuses informations intéressantes à ce sujet, mais en voici un exemple et en voici un autre. Vous pourriez demander aux musiciens de commencer avec une mélodie simple ou même une gamme et d'ajouter des trilles, des notes de grâce, des divisions, etc. La Fontegara de Ganassi est vraiment approfondie et offre de nombreux exemples, mais j'ai du mal à en trouver une copie sur Internet.

Il existe également de nombreux exemples de basses en musique classique. La Folia en est un exemple, mais probablement pas familier à la plupart de ces musiciens. Ce serait un exercice intéressant de leur faire écouter un exemple de morceau écrit sur la base du Folia et de leur faire faire de même.

Bien que ce type de musique baroque soit pas généralement familier aux musiciens «classiques» modernes, cela pourrait les aider à voir des exemples d'improvisation dans leur «tradition». Parfois, les musiciens classiques abordent l'improvisation avec une attitude que les musiciens classiques ne font tout simplement pas cela , et historiquement rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité.

Je suppose que cela dépend du temps et du niveau de compétence.

Pour une introduction pour débutant , je commencerais par enregistrer une piste rythmique de blues à 12 mesures, j'enseignerais le Classez les gammes pentatoniques et les clichés de blues.

Pour une masterclass, jetez un œil à la question L'improvisation dans l'idiome classique diffère-t-elle significativement de l'improvisation jazz et folk?.

Voir si vous pouvez obtenir les livres

• "Improvising: How to Master the Art" de Gerre Hancock qui explique l'improvisation dans l'idiome classique
• "Le guide du guitariste pour composer et improviser" de Jon Damien qui introduit une méthode analytique d'improvisation qui ne fonctionne pas seulement avec les guitaristes.

Pour les échantillons de musique de masterclass à improviser au-dessus, je suggérerais deux morceaux modaux de Miles Davis:

• All Blues
• Alors quoi

Jouez les morceaux des enregistrements originaux pour la classe. Puis apprenez-leur les accords et les centres clés des airs. Présentez le concept de motifs et de clichés / riffs de jazz. Enfin, enseignez les gammes pentatoniques pour chaque centre clé.

Pour les débutants et la masterclass, divisez les élèves en groupes de 3 ou 4, de préférence dans des salles séparées. Faites jouer une piste d'accompagnement de l'un des morceaux. Band in a Box, Jamey Aebersold ou Music Minus One devraient convenir aux morceaux. Dans ces groupes, jouez une version du groupe Phish's Circle Game. Pour plus de détails, consultez la question Est-ce que Phish base son style d'improvisation sur des techniques prédéterminées?

À la demande de Turion, j'écris quelques idées pour diriger des cours d'improvisation. Si vous utilisez mes suggestions, elles devraient être abordées et renforcées de manière cyclique, car elles se soutiennent toutes. Par souci de concision, je vais vous donner un exemple pour chacun.

• Écoute / "Parler"
• Appeler la réponse &
• Réponse Variation &
• Variation & Extension
• Connaître votre instrument
• Penser de manière créative - imposer des limites

Écouter / "Parler "

Tout comme dans une vraie conversation, vous ne pouvez pas simplement parler quand vous en avez envie, il en va de même pour la musique. Si vous interrompez constamment à qui vous parlez, personne ne voudra parler avec vous. Idem pour la musique.

Idée pour la classe Donnez une invite à vos élèves; ils ne peuvent parler que lorsque vous les montrez; vous devenez progressivement plus rapide jusqu'à ce qu'il s'effondre. Vous pouvez prolonger cette activité en demandant à un élève de jouer le rôle de pointeur ou en leur demandant à tour de rôle sans que personne ne vous aide / pointe. Cette activité peut également être étendue en utilisant des instruments / percussions corporelles au lieu de voix.

Appeler la réponse d'&

Réfléchissez à des situations où quelqu'un pourrait vous répondre (en disant "bonjour", un coup de téléphone, faire signe à un voisin, etc.). Une réponse peut être une citation directe ou une reconnaissance connexe de ce que les gens viennent d'entendre.

Idée pour le cours Divisez-vous en groupes de deux, demandez aux élèves de s'exercer à écouter une déclaration de leur partenaire , et essayez de répéter exactement à l'autre avec les mêmes inflexions vocales. Pour un groupe, jouez au «téléphone» en chuchotant un mot ou une phrase à l'oreille d'un élève. Ils doivent continuer tout autour du cercle jusqu'à ce que cela vous revienne. Si cela change, vous obtenez un point, si c'est la même chose, ils obtiennent un point. L'activité est facilement étendue en remplaçant parler par des instruments avec le même concept - vous pouvez même toujours leur faire jouer au téléphone.

Réponse Variation & Très similaire à la technique précédente, la seule différence ici est qu'au lieu de reproduire exactement le son, les élèves y ajoutent une petite variation pour le rendre unique. Les mêmes activités peuvent être faites.

Variation & Extension Encore une fois, une technique graduée. Maintenant, au lieu de simplement fournir une variation motivique, les élèves sont également chargés d'étendre leurs idées par la répétition.

Idée pour la classe En fonction de leurs capacités, un excellent morceau pour l'improvisation structurée serait In C de Terry Riley, ou des morceaux de James Tenney.

Connaître votre instrument

Lorsque vous improvisez, votre instrument doit être une extension de vous. Si vous êtes limité par votre connaissance de votre instrument, vous serez limité dans votre capacité à improviser.

Idée pour le cours Passez un peu de temps à chaque classe avec des élèves qui se contentent de jouer sur leurs instruments. Encouragez-les à proposer cinq ou dix sons uniques. Même s'ils ne produisent qu'un seul son nouveau et unique, c'est encore du progrès. Alternativement, vous pouvez leur donner un objectif pour plus de structure: "Je veux que vous créiez un son grinçant". Cette activité peut être étendue en leur demandant de créer des banques de sons, en choisissant 2-3 sons, puis en organisant une session d'improvisation où ils ne peuvent utiliser que ces sons.

Penser de manière créative - imposer des limites

L'une des choses difficiles dans l'improvisation / la création de musique est qu'il y a tout simplement trop d'options parmi lesquelles choisir. Imposer des limites donne aux gens quelque chose contre quoi pousser, et pousser contre quelque chose est la source de la créativité - vous êtes obligé de penser différemment.

Idée pour la classe Vos options pour les limitations sont infinies. Vous pouvez limiter le temps que les gens jouent, les sons qu'ils peuvent produire, leur dynamique, le nombre de personnes qui peuvent jouer, les instruments qu'ils peuvent utiliser ou tout autre nombre d'autres variables que vous souhaitez influencer. N'oubliez pas que pour les élèves, l'improvisation structurée est presque toujours plus réussie que l'improvisation totalement gratuite.

Bonne chance.

L'improvisation est au cœur de l'achèvement d'une mélodie. Si je devais donner un cours là-dessus, je prendrais diverses mélodies célèbres comme extraits, puis je regarderais d'un œil critique ce qui se passe en eux.

Ces extraits formeraient la base de l'improvisation que vous faites. Les élèves devraient apprendre à écouter attentivement le passage que vous jouez et ensuite, ensemble, vous pouvez réfléchir de manière critique à la mélodie.

Quel est le rythme? Comment mon improvisation peut-elle s'appuyer sur le rythme du passage donné? Quels sont les accords dans chaque mesure? Comment mon improvisation peut-elle s'appuyer sur l'utilisation des accords? Quelle est la forme du passage? Vague? Fonctionne? Pyramide?

Toutes ces idées ou idiomes dans le donné devraient faire partie de la façon dont l'improvisation est jouée. Une bonne improvisation est simplement un développement ultérieur d'une idée musicale.

C'est analogue à la façon dont vous pouvez écrire un exercice d'écriture créative à l'école. Vous pouvez recevoir un article et vous demander d'écrire un essai sur le passage donné. Vous pouvez être très créatif dans ce que vous écrivez mais ce que vous écrivez ne peut pas complètement ignorer le passage donné. Donc c'est aussi avec les improvisations musicales.

Si vous pensez à la façon dont l'improvisation a commencé dans la musique Jazz, cela vous apprend vraiment comment l'aborder. Comme le raconte l'histoire à la fin du XIXe siècle, les colons afro-américains aux États-Unis trouvaient des emplois dans des clubs et des bars pour jouer de la musique.

Ils ne connaissaient qu'une certaine quantité de musique, mais étaient obligés de jouer de longues temps. Ils ont donc dû apprendre à prendre la musique qu'ils connaissaient et à en faire de longues chansons. Ils ont donc appris à improviser et finalement cela s'est ancré dans le style.