Question:
Comment continuer à vous entraîner à composer de la musique lorsque vous êtes trop difficile pour vous écouter jouer
Aske B.
2012-10-06 05:02:20 UTC
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Je suis pianiste et je compose également des chansons dans des DAW. Ma principale occupation de temps libre est d'improviser au piano, et je le fais depuis plusieurs années maintenant.

Même avant d'apprendre les instruments (quand j'étais enfant), j'ai toujours analysé la musique dans mon head, essayant de prédire comment les rythmes, les mélodies et les accords joueraient avant qu'ils ne le fassent réellement. Cela a rendu la pratique beaucoup plus difficile, car j'avais déjà une bonne idée de ce que j'aimais écouter.

J'ai toujours joué principalement à l'oreille et il y a plusieurs années j'ai commencé à m'apprendre à improviser; essayant juste de jouer ce que je pouvais entendre dans ma tête. Ma technique n'est pas proche de pouvoir suivre les symphonies dans ma tête, mais je pense que je vais bien maintenant - et mes voisins disent souvent qu'ils aiment quand je joue (je vis dans un petit appartement avec des murs très fins ).

L'année dernière, cependant, j'ai commencé à devenir frustré après avoir joué quelques minutes de musique qui ne sont pas assez bonnes pour me satisfaire. Alors je m'arrête et commence à écouter de la musique que j'apprécie à la place. C'est en train de devenir une mauvaise habitude, et c'est dommage car j'ai toujours de grandes ambitions pour la composition.

Cet été, j'étais en formation d'auteur-compositeur, juste pour le plaisir. Une chose qui m'a été conseillée était de apprendre à lâcher prise sur le critique intérieur , et de simplement essayer de composer une chanson simple assez bonne pour vous satisfaire . J'ai pensé que c'était un bon conseil mais je n'y suis pas parvenu la semaine où j'étais là-bas.

J'essaie toujours d'appliquer les conseils aujourd'hui, mais quand je compose quelque chose et que je frappe soudainement quelque chose que j'apprécie, je m'excite et je sens que je suis enfin sur le point de composer une chanson dont je serai satisfait. Peu de temps après, cela commence à devenir trop prévisible ou trop spécial, puis je deviens soudainement impatient, désireux de retrouver l'ambiance que je viens de vivre. Après quelques minutes à essayer de me remettre sur les rails, ou tout simplement à recommencer avec quelque chose de nouveau, j'abandonne généralement, ou du moins j'éprouve un sentiment de tristesse et de découragement.


des conseils aux compositeurs qui sont découragés par leur manque de compétences pratiques en tant que musicien?

Je veux dire, "continuez à pratiquer" est la réponse évidente ici, mais qu'en est-il du côté mental et pratiques qui rapportent mieux à des améliorations plus rapides ?

C'est plus une question psychologique qu'une question musicale.
@Luke - la créativité a une composante psychologique, à mon humble avis, mais OP obtiendra probablement de meilleurs conseils musicalement pratiques dans ce forum que dans un autre.
Cela pourrait également valoir la peine d'examiner la productivité SE, car les éléments de cette question y sont abordés.
Cinq réponses:
Whiskas
2012-10-06 12:12:03 UTC
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J'ai eu le même problème, mais j'ai surtout réussi à m'en débarrasser.

Ma première étape a été de pouvoir accepter mon style, quand tu joues, tu dois le savoir vous n'allez pas jouer la musique que vous écoutez, et si vous n'êtes pas habitué à l'idée, cela peut vous amener à penser que c'est mauvais simplement parce que cela ne ressemble pas à ce que vous aimez écouter.

Ma deuxième étape a été de m'enregistrer et de prendre l'habitude de faire une analyse de ce que je jouais, non pas pour voir si je jouais bien mais surtout pour améliorer l'écriture et comment j'ai pu améliorer une partie simplement en joué.

La troisième étape était d'accepter les erreurs que je peux faire en jouant, et de ne pas en faire un gros problème, pour bien jouer, il faut jouer détendu.

Jouer avec d'autres personnes peut aussi être inspirant et peut vous aider à aimer votre propre style lorsque vous l'entendez comme faisant partie d'un tout.

Le manque de compétences n'est pas le problème, ce que vous devez d'abord améliorer est votre sentiment, lorsque vous aimez au moins obj ectivement ce que vous faites, vous pourrez trouver plus de plaisir à improviser et ensuite améliorer vos compétences.

Kristina Lopez
2012-10-06 07:24:39 UTC
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J'admire votre dévouement à travailler sur vos compétences d'improvisation mais je pense que vos compétences de jeu ne sont peut-être pas votre principal problème.

Ceux d'entre nous qui écrivons (auteurs, pas compositeurs), peuvent se heurter au même problème où si notre premier brouillon n'est pas génial, nous abandonnons l'histoire ou l'idée.

Le meilleur conseil que j'ai reçu est de simplement écrire quelque chose. Il est de loin préférable de laisser l'idée vivre assez longtemps pour survivre à une tentative de modification ou même de vous en éloigner pendant un jour avant de la tuer.

Bien que plus facile à dire qu'à faire, la patience et la diligence peuvent énormément améliorez votre talent déjà inné pour imaginer la musique dans votre tête.

Bonne chance dans votre composition!

Parfois je m'en vais pendant une semaine ou plus… ça m'aide à être plus assez critique, sans avoir aucun attachement au travail. Habituellement, je finis par l'aimer plus que je ne l'ai fait pendant que je le créais!
@Josh- Je conviens que le temps et la distance peuvent être des outils importants pour laisser mûrir les idées.
NReilingh
2012-10-07 12:47:52 UTC
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Pratiquer

S'exercer, ce n'est pas écouter de la musique. Oui, vous devez écouter pendant que vous pratiquez, mais vous le faites expressément pour détecter les erreurs et les incohérences afin de pouvoir les corriger. Vous ne pouvez pas vous attendre à pouvoir jouer pour le plaisir d'écouter sans avoir d'abord appris à jouer!

Méthode

L'improvisation est toujours bonne, surtout si vous jouez ce que vous entendez dans votre tête (par opposition à jouer, et puis entendre ce que vous avez joué). Si vous avez un déséquilibre entre la tête-créativité et la technique physique, alors vous devriez vraiment travailler à régner dans votre tête-créativité d'improvisation à l'endroit où elle se situe dans votre zone de développement proximal pour votre technique physique. Une fois que vous savez où se trouve cette zone, vous pouvez élaborer un plan pour étendre votre technique physique au point qu'elle soit plus en phase avec votre créativité de tête. C'est là que la vraie pratique entre en jeu - mon monologue interne peut ressembler à:

D'accord, j'entends un riff dans ma tête que je ne peux pas jouer immédiatement, mais je peux le transcrire et jouez-le après quelques minutes de pratique. Maintenant, transformons-le en une idée fixe, le rejouons encore et encore dans des rythmes différents, puis faisons la même chose dans les 12 touches, puis jouons-le dans quelques modes différents, puis inversez-le, puis réorganisez les hauteurs ...

Il y a beaucoup de possibilités ici. Vous n'êtes pas obligé de les faire tous, mais ceux qui vous semblent utiles et pertinents pour votre musique de tête peuvent vous procurer des heures de pratique qui vous permettront de développer une technique que vous n'aviez pas auparavant.

Efficacité de la pratique

Comprenez que votre cerveau musical est composé de toute la musique que vous avez déjà entendue avant d'être remixée et influencée par d'autres stimuli non musicaux. Cela signifie que le la musique que vous créez dans votre tête a des racines et une technique partagée avec des morceaux de littérature existants.

C'est là que la notation est utile (et je vois que vous avez mentionné que vous jouez principalement à l'oreille, mais soyez indulgents avec moi) - vous pouvez utiliser ces morceaux de musique existants pour vous aider à développer la technique dont vous avez besoin pour jouer le la musique que votre propre tête invente. Identifiez quelle littérature influence votre esprit créatif, puis apprenez à la jouer! L'alternative à l'apprentissage des partitions existantes est d'apprendre après avoir tout transcrit - soit en écrivant réellement la musique avant de la jouer, soit en la jouant à l'oreille. La transcription est une compétence extrêmement précieuse, mais lorsque vous le faites, vous passez du temps à exercer votre oreille pour comprendre la pièce que vous pourriez consacrer au développement de la technique pour jouer la pièce. Si vous voulez pratiquer plus efficacement, vous devez trouver le bon équilibre pour ce que vous voulez réaliser.

C'est pour cette raison qu'apprendre à lire la musique est une compétence requise pour jouer au niveau virtuose. la tradition classique occidentale. Des exceptions peuvent être faites pour certaines traditions transmises oralement; vous trouverez de grands musiciens de jazz et de folk avec un talent de niveau virtuose, mais ces traditions ne reposent pas en premier lieu sur les partitions, ET dans presque tous les cas, ce sont des gens dont l'esprit créatif a grandi en phase avec leur technique. Pour nous, nous devons être un peu plus stratégiques.

Composer

Composer de la musique est génial, mais cela peut être une tâche ardue. Il y a une certaine sagesse à mettre simplement les heures - même si vous passez une heure par jour à écrire des motifs sur des bouts de papier que vous finissez par jeter ou que vous n'utilisez jamais, c'est toujours quelque chose. Écrire beaucoup de petits morceaux vous sera bien plus avantageux que de passer le même temps sur un gros morceau. En particulier, si vous avez du mal à faire quelque chose, vous devez vous assurer de définir vos objectifs de composition aussi réalisables que possible et de vous donner des LIGNES DIRECTRICES STRICTES et des limites à votre processus de composition.

Un de mes professeurs m'a dit un jour que la créativité ne vient pas d'une liberté totale, elle vient des limites . Il m'a fallu LONGTEMPS pour réaliser qu'elle avait raison, mais le fait est SI vous vous donnez des règles artificielles à suivre, par exemple:

  • Composez huit mesures de musique en 4/4 en utilisant seulement les notes en ré majeur et les dominantes secondaires associées.
  • Ecrire une invention en deux parties de 16 mesures dans le style de Bach.
  • Ecrire 32 mesures de musique basées entièrement sur un trois note le thème xy z.

... ou même ...

  • Écrivez 3 mesures de musique composées uniquement de rythmes et d'articulations sur le pas A4 avec un début, un milieu et une fin clairs.

... alors vous trouverez des moyens d'être créatif dans ces contraintes, et les mêmes contraintes faciliteront la finition des pièces. J'ai inventé les contraintes ci-dessus, mais je vais énumérer ci-dessous quelques exercices de composition spécifiques que mes professeurs ont assignés et qui pourraient être utiles:

  • Arrange "Hark, the Herald Angels Chantez "pour piano solo en réharmonisant.
  • On vous remettra une feuille de papier de portée vierge à l'exception de la première mesure de musique qui vous a été fournie. Vous devez remplir le reste de la page. Vous avez 40 minutes.
  • Définissez le texte d'un poème de votre choix comme chanson d'art. (Celui-ci est bien si vous avez des problèmes pour déterminer le rythme de vos compositions, car cela sera décidé pour vous par le texte.)

Donc, ce qui précède ne fonctionnera pas pour tout le monde, mais j'espère que cela donnera matière à réflexion sur quelques-uns des sujets que vous avez mentionnés. Essentiellement, ne vous découragez pas en vous percevant comme un manque de technique, mais plutôt motivé pour développer cette technique afin de pouvoir l'utiliser! Et, comme Steve Vai a été connu pour le dire à l'occasion:

"Si vous voulez jouer quelque chose que vous ne pouvez pas, vous devez vous voir et vous entendre en train de le faire dans votre esprit. Cela va commencer à arriver. "

Pour paraphraser: si vous pouvez vous visualiser en train de jouer / improviser / composer comme vous le souhaitez et avec la facilité que vous désirez, vous avez déjà fait le premier pas pour atteindre cet objectif.

+1 Félicitations pour votre 10k! Et 10.000 merci pour toutes vos réponses superbes et inspirantes!
luser droog
2012-10-06 11:54:34 UTC
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Pour la composition réelle, vous voudrez peut-être abandonner la DAW au profit d'un petit carnet de pages de personnel. Lorsque vous improvisez un joli riff ou un fragment mélodique, écrivez-le avant de trop improviser dessus.

La plupart de mes pages n'en ont que quelques-unes (2, 4, 8) mesures de mélodie et de rythme. Mais l'essentiel est que lorsque vous avez besoin d'une idée mélodique ou rythmique, vous pouvez emprunter à votre moi passé. Si vous avez besoin d'un rythme à main gauche syncopé chargé, vous pouvez scanner uniquement les faisceaux pour une mesure avec beaucoup de lignes. Si vous avez besoin d'une douce mélodie avec un saut précoce, et si vous le faites avec diligence depuis quelques mois, vous en avez probablement une.

Bien que l'ordinateur soit un excellent outil dans réaliser votre travail; pour le stockage des idées musicales, le stylo et le papier sont toujours au top.

Cela peut également aider à concentrer vos sessions d'improvisation. Parfois, vous voulez créer une chanson entière; parfois, vous n'avez besoin que de quelque chose qui mérite d'être rappelé (à développer plus tard).

Je pense qu'il est plus facile d'utiliser un dictaphone, car vous n'avez pas besoin de faire une pause pendant l'improvisation, et vous n'avez pas à vous concentrer sur la mémorisation de ce que vous proposez. Bien sûr, vous pouvez finir par avoir beaucoup plus de matériel que vous ne le souhaitez, mais en général, ce dont j'ai besoin pour améliorer une chanson est simplement d'entendre à nouveau le "brouillon".
J'ai travaillé de cette façon dans le passé. Mais d'une certaine manière, c'est exactement ce que OP ne veut pas, être "trop ​​pointilleux". Utiliser un cahier signifie que beaucoup plus de «musique» est rejetée, seuls les thèmes, les * graines * qui ont conduit à des moments fascinants entrent dans le livre. Le même «territoire» peut facilement être retrouvé en improvisant sur le thème. Et la capacité de * scanner * ne doit pas être sous-estimée. De nombreux livres de musique contiennent des index thématiques dans le même but. ... Mais * combiner ces deux méthodes * peut être idéal. Sinon, comment allez-vous trouver ce grand solo qui se situait quelque part entre «Untitled 32» et «Untitled 97»?
andyvn22
2012-10-07 20:25:30 UTC
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Je pense que vous serez peut-être retenu par votre concentration sur l'improvisation: l'un des avantages de la composition est la capacité de revenir en arrière et de réviser du matériel déjà écrit. Pensez à essayer la notation traditionnelle ou à considérer vos enregistrements comme des brouillons que vous éditez ensuite lentement dans un séquenceur - il n'est pas raisonnable de s'attendre à ce qu'une grande œuvre musicale jaillisse de vos doigts sans révision.

Tout comme un sculpteur forme d'abord l'argile en une forme générale, puis l'affine, puis ajoute les derniers détails, vous devez apprendre que la partie la plus importante de la composition musicale n'est pas que ce que vous avez est étonnant ... le plus important est que votre pièce devient plus incroyable à chaque fois que vous la modifiez. Avoir cette bonne «trajectoire» produira, en fin de compte, un meilleur travail qu’un premier brouillon exceptionnel.

Quand vu dans ce nouveau contexte, vos normes élevées deviennent un atout plutôt qu'une gêne. Elles vous aideront à savoir quoi modifier et vous aideront à continuer à modifier jusqu'à ce que vous ayez quelque chose que vous aimez.



Ce Q&R a été automatiquement traduit de la langue anglaise.Le contenu original est disponible sur stackexchange, que nous remercions pour la licence cc by-sa 3.0 sous laquelle il est distribué.
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