Écoutez autant de musique que possible dans autant de styles que possible et forcez-vous à écouter de la musique que vous ne connaissez pas ou que vous n'aimez même pas . Vous ne pouvez pas progresser à partir d'un point de non-référence. Comme lorsque vous apprenez à parler, vous apprenez le vocabulaire de la pratique et en imitant les autres. Ensuite, après avoir construit un vocabulaire large, vous pouvez commencer à parler comme vous-même. La même chose est vraie avec la composition (ou le jeu d'ailleurs).

Techniquement parlant, la théorie ne fera certainement pas de mal. Si vous apprenez des façons éprouvées et acceptées de faire les choses «correctement», alors vous pouvez être plus confiant lorsque vous enfreignez ces «règles» théoriques. Mais rappelez-vous, tout est encore de la théorie. Vous devez vous laisser guider par votre propre oreille.

De plus, ne passez pas tout votre temps à écrire devant l'ordinateur si vous pouvez l'aider. Un ordinateur est un excellent outil et peut certainement soulager beaucoup de douleur lors de l'écriture, mais ce n'est qu'un outil. La musique vient toujours de vous. Utilisez un crayon et du papier et vous verrez la différence. Ils ont tous les deux leur place.

Enfin, pour un peu de pratique, essayez d'écrire tous les jours, même lorsque cela semble difficile. Si vous ne pouvez écrire que quelques mesures par jour, c'est toujours mieux que rien. Si vous avez besoin d'une structure autour de cela, essayez simplement d'écrire des mélodies et ne faites pas attention à la clé ou même à une signature rythmique. Travaillez simplement sur la mélodie. Si vous le faites et le pratiquez, vous commencerez à apprendre à l'incorporer dans vos compositions de manière pratique. La mélodie est reine.

J'écris de la musique rock, mais j'écris aussi de la musique classique. Un ensemble de techniques que les compositeurs classiques utilisent pour créer de meilleures mélodies vous permet également de commencer avec une idée simple et de créer quelque chose de beaucoup plus grand. J'utilise ces techniques pour écrire de la musique rock. Cet ensemble de techniques est appelé développement de motifs .

C'est une longue liste, mais vous pouvez en choisir quelques-uns pour commencer. Une fois que vous les maîtrisez, vous pouvez en apprendre un peu plus et ainsi de suite.

Un exemple de développement de motifs serait le cinquième de Beethoven. Le fameux, da, da, da, dum au début est appelé un motif. C'est comme la version classique d'un riff. Beethoven n'avait que quatre notes dans ce motif, mais selon le troisième lien en bas, il a écrit 506 mesures en développant ce motif à quatre notes . Donc, si vous voulez "étudier avec un maître du développement de motifs", regardez la musique de Beethoven.

Vous n'avez pas dit si vous lisez de la musique. Sinon, ne vous inquiétez pas. Vous pouvez toujours les utiliser.

Le jargon peut rendre ce son compliqué, mais c'est juste une liste de façons de modifier un motif, en réorganisant les notes de différentes manières, un peu comme un puzzle. Une fois que vous vous êtes familiarisé avec certains d'entre eux, vous en trouverez probablement quelques-uns.

Développement de motifs

D'abord, vous écrivez un motif . C'est juste un petit groupe de notes qui vous semblent bonnes.

Ensuite, vous répéterez ce motif après qu'il ait été modifié par une ou plusieurs de ces techniques. Ensuite, vous le changez d'une autre manière et le répétez à nouveau. Vous pouvez écrire beaucoup de musique de cette façon. Beethoven en était un maître.

1. La première technique est tout simplement ancienne répétition . Répétez simplement le motif.

2. Le suivant est appelé séquence . Vous le répétez mais vous l'avez déplacé plus haut ou plus bas. C'est ainsi que Beethoven a écrit ce thème d'ouverture de ce mouvement. Il a déplacé ces quatre notes de haut en bas pour créer la plupart de cette musique.

3. Changement d'intervalle Un intervalle est la distance entre deux notes. C à D est un intervalle d'un pas entier. Lorsque vous le modifiez pour passer de C à Db, vous avez réduit l'intervalle à un demi-pas. Si vous passez de Do à Eb, vous avez élargi l'intervalle à une tierce mineure.

   - Le changement d'intervalle est l'endroit où vous répétez le motif mais changez la distance entre les notes en un ou plus d'endroits dans le motif. Si Beethoven avait suivi da da da dum par da da da doo, ce serait un changement d'intervalle.

4. Le suivant est appelé changement de rythme . Lorsque vous le répétez, vous changez de rythme.

5. Le suivant est appelé fragmentation . C'est là que vous ne répétez qu'une partie du motif. Vous pouvez suivre cela avec un morceau différent du motif. Si votre motif est assez long, vous pouvez créer une mélodie en utilisant uniquement cette technique.

6. Vient ensuite extension . C'est ici que vous ajoutez du nouveau matériel (un nouvel ensemble de notes) avant la dernière note du motif lorsque vous le répétez.

7. Compression est l'endroit où vous supprimez les notes du milieu de la séquence.

8. Expansion est l'endroit où vous ajoutez du nouveau matériel (un nouveau ensemble de notes) après la dernière note du motif lorsque vous le répétez.

9. Inversion est l'endroit où vous retournez votre motif à l'envers. Là où le motif monte en hauteur, l'inversion descend en hauteur et vice versa. C'est bon pour un appel en réponse. La "réponse" (l'inversion) est suffisamment similaire au motif original pour ressembler à une réponse à "l'appel" du motif.

10. Introversion est l'endroit où vous divisez le motif en fragments qui ont un sens musical en eux-mêmes et vous changez l'ordre des fragments pour créer le motif introverti.

11. Diminution est l'endroit où vous raccourcissez toutes les valeurs de note. Les demi-notes deviennent des noires. Les noires deviennent des huit et ainsi de suite. Le motif modifié est deux fois plus rapide.

12. Augmentation est l'endroit où vous allongez toutes les valeurs de note. Les demi-notes deviennent des notes entières. Les noires deviennent des demi-notes et ainsi de suite. Le motif modifié est deux fois plus lent.

13. L'ornementation est plus difficile à expliquer. Vous conservez le même motif de base, mais ajoutez-y des dispositifs fantaisie appelés ornements. Cela pourrait être aussi simple que d'ajouter des notes supplémentaires entre les notes du motif à des choses plus sophistiquées comme des trilles et des tours. Pour vos besoins, pensez simplement à habiller le motif pour le rendre plus chic.

14. La dernière technique que j'ai pour vous est l ' éclaircissement . C'est là que vous éliminez les notes. Beethoven fait cela dans le premier thème où il réduit da, da, da, dum à des notes uniques à la fin du thème. Vous pouvez éliminer n'importe quel nombre de notes.

Vous pouvez les combiner. Vous pouvez en faire deux ou plus lorsque vous répétez votre motif la première fois. Par exemple, vous pouvez répéter un fragment à une hauteur plus élevée avec un rythme légèrement différent.

Lorsque vous avez trouvé la bonne combinaison, elle sonnera correctement. Ça marche. Cela sonnera organique, comme s'il appartenait au motif.

Pour moi, c'est inspirant quand cela se produit. Mon processus consiste à essayer d'essayer des choses, mais rien ne m'inspire. Puis un jour ou deux plus tard, quelque chose se gélifie et je suis content d'avoir appris ces techniques.

Si vous apprenez ces techniques, vous les entendrez dans toutes sortes de musiques. Beaucoup d'auteurs-compositeurs font ces choses de manière intuitive.

Je vous souhaite bonne chance dans votre composition.

Étude complémentaire / Sources

Si vous voulez en savoir plus sur le développement de motifs, consultez ces liens:

Ces deux liens sont ceux que j'utilise pour me rappeler quelles sont les techniques et sont ma source pour cette liste:

http://jkornfeld.net/motive_development_1.pdf

http://jkornfeld.net/motive_development_2.pdf

En voici un que j'ai trouvé qui utilise le cinquième de Beethoven comme exemple:

http://tobyrush.com/theorypages/pdf/0210motivicdevelopment.pdf

En plus de la bonne réponse de tptcat:
En plus d'écouter de la musique, vous pouvez essayer de copier la musique pour vous-même - l'enregistrer ou l'écrire. Cela vous obligera à observer tous les détails de la musique que vous écoutez. Et lorsque vous avez copié une chanson (du mieux que vous pouvez), pensez aux riffs, morceaux, mélodies ou idées qu'il y a (que vous auriez pu créer) et à la façon dont le compositeur les a prolongés ou les a reliés entre eux. Cela peut vous donner des idées sur lesquelles construire et développer votre propre matériel.

L'harmonie est roi , apprenez à écrire de la musique en «improvisant», en «répétant» sur un vrai instrument.

contrairement à @tptcat je n'écris pas de musique sur papier. Et je ne pense pas que cela puisse être facile pour un batteur qui ne joue pas d'un instrument multi-tons (cordes ou touches).

L'harmonie est le fait de mettre plusieurs notes ensemble. Par exemple, gérer une ligne de basse et une ligne de mélodie, c'est déjà l'harmonie. Le pain et le beurre de nombreux airs occidentaux.

Mes instruments de composition préférés sont la guitare et le piano ou le synthé. Bien qu'il faille des années pour les maîtriser, il arrive vite que l'on puisse jouer des morceaux simples dessus très vite. Jouer une ligne de basse et une ligne mélodique par exemple (progression de 2 notes).

Mais le mieux est d'essayer la progression de 3 notes, de manière à apprendre et ressentir instinctivement dans les tripes les mouvements entre les modes, en gros le cercle de la cinquième , qui donne (étant donné un point de départ, disons un do majeur) les 5 autres accords possibles que vous pourriez jouer la prochaine étape presque aveuglément et qui sonneront toujours bon (Am, GM, Em, FM, Dm) ... mais parfois pas assez exotique ou surprenant ;-)

Alors tu pourrais t'intéresser à tous les modes, Majeur, Mineur bien sûr , mais aussi Ionian, Dorian, etc ... qui pourraient vous montrer des chemins pour faire des mélodies.

Je pense qu'avant d'imaginer de la musique dans votre tête (c'est ce que signifie écrire au crayon et au papier, et signifie des années d'entraînement pour moi), vous devez sentir la musique dans vos doigts, tout comme vous jouez de la batterie.

De l'autre côté: l'argument de @ tptcat pour écouter toute sorte de musique pour améliorer l'audition ... ouais, c'est vraiment bon conseil. +1.

Essayez de chanter une de vos chansons préférées à tort et à travers. Puis chantez-le en clé. Demandez-vous ce qui le fait fonctionner. Changez quelques mesures de votre chanson préférée et voyez ce que vous obtenez. Ne vous inquiétez pas si vous le détruisez dans le processus. Ajoutez simplement quelques mesures et continuez. Essayez d'apprendre à improviser? Demandez-vous ce qui fonctionne pour vous (pas moi)? Essayez cet exercice même si vous n’avez pas envie de le faire (tous les jours).

Je crois que les compositions sont générées à partir des expériences de sa vie. Vivez votre vie au maximum, le repos viendra vous poursuivre. Laissez-vous guider par vos sentiments pendant un moment, vous verrez la différence.

Surtout, appréciez toujours votre composition si elle provient de vos expériences de vie et du sentiment qui vous est venu de vivre cela.

Enfin, continuez à vous entraîner!

Une autre façon potentiellement utile de composer:

Jetez un œil aux différentes formes qui sont utilisées dans la musique classique et utilisez-les comme guide pour votre propre musique. Par exemple, prenez la forme ternaire: https://en.wikipedia.org/wiki/Ternary_form où le motif est ABA.

Créez une mélodie intéressante A, puis exécutez peut-être une Changez de touche pour une nouvelle mélodie B, puis revenez à A avec quelques trucs supplémentaires ajoutés. Assemblez ces mélodies les unes après les autres et vous obtenez un morceau de musique avec un développement intéressant. Ou vous pouvez essayer le formulaire binaire, le formulaire 32 barres, etc.

Plus d'informations sur les différents types de formulaires ici: https://en.wikipedia.org/wiki/Musical_form

Remarque: prenez ce qui précède avec un grain de sel. Je commence juste à me ressaisir.

Eh bien, je suppose que vous faites référence à des chansons avec une ligne mélodique, et non à des solos de batterie. Par conséquent, il vous serait beaucoup plus facile, je pense, d'écrire sur quoi vous travaillez si vous avez sous la main un instrument de hauteur. (Je joue de la batterie mais je n'ai jamais écrit de chanson dessus. La guitare, le piano et le cor français m'ont cependant conduit à des idées intéressantes.) Des logiciels tels que MuseScore, Finale et Sibelius sont d'une aide indéniable lors de l'écriture de chansons le moins pour moi) pour de nombreuses raisons. Désolé si ce n'est pas utile ...

Et ne vous inquiétez pas si vous obtenez le blocage de l'auteur-compositeur; En fait, je viens juste de sortir d'un épisode et c'est assez excitant, en fait. N'abandonnez pas!

Eh bien, une façon de faire un morceau plus long serait de "enchaîner" certaines de ces courtes mélodies que vous avez. Une théorie aiderait beaucoup à cet égard, car vous devrez peut-être faire de la transposition et / ou de la modulation, si vous voulez que le tout soit dans la même tonalité ou que vous voulez faire quelques changements de clé.

Si vous voulez pouvoir évoquer de la musique à partir de rien, une façon de simplifier le processus est d'établir un ensemble de paramètres, dans lesquels vous pouvez jouer jusqu'à ce que vous trouviez quelque chose. Choisissez une clé, décidez si vous voulez une mineure ou une majeure, peut-être choisissez un mode, décidez d'une signature rythmique ... vous êtes batteur alors profitez-en maintenant; composez un modèle simple dans la signature rythmique que vous avez choisie, puis notez les notes. Vous pouvez l'utiliser comme base pour la mélodie, en utilisant simplement le timing de ces notes et les silences; puis assignez une vraie note à chaque coup de batterie. Vous aimerez peut-être ce que vous entendez ou non, mais maintenant vous avez un point de départ, vous pouvez jouer avec ce motif mélodique jusqu'à ce que vous l'aimiez ou recommencer à zéro ...

En retard à la fête mais j'aimerais quand même offrir ce conseil sincère:

APPRENEZ UN PEU DE PIANO

Peu importe ce que vous faites d'autre en tant que batteur, producteur, musicien - apprenez un peu de piano.

Au minimum, procurez-vous un clavier bon marché, prenez quelques leçons, allez au moins au point où vous pouvez jouer quelques accords avec la gauche et une mélodie simple avec la droite. Cela ne prendra pas longtemps, mais cela fera une énorme différence pour vous, à partir de ce moment, non seulement pour la composition, mais de bien d'autres manières.