Mon son de rock préféré est un bon vieux Fender Rhodes, saturé donc il commence à se rompre lorsque vous jouez des accords ou lorsque vous creusez vraiment dans une note. J'ai joué dans quelques soirées avec juste ce son, et il fait un travail formidable de "remplir la pièce" comme vous dites.

En ce qui concerne le style de jeu, je trouve que jouer beaucoup ouvert les cinquièmes aident. J'ai entendu des guitaristes appeler ces Power Chords, et cela nettoie vraiment le son pour omettre le troisième. Pour donner un peu de caractère, j'utiliserai souvent le b5 comme une note écrasante sur le 5e de l'accord.

Vous pouvez étudier le jeu des grands solistes à clavier "guitar-ish": Jan Hammer avec Mahavishnu Orchestra sur un Minimoog, Jon Lord avec Deep Purple sur l'orgue Hammond et éventuellement Keith Emerson et Rick Wakeman sur Moogs. Jordan Rudess, avec Dream Theater (sur toutes sortes de synthétiseurs) mérite également une mention importante. Tous diraient dans les interviews que le type de son de clavier ou de patch de synthétiseur n'était pas particulièrement essentiel; tout était dans les articulations de la façon dont ils les joueraient. Et à l'exception de l'utilisation de l'orgue Hammond, la plupart de ces interprètes ont largement utilisé la molette de variation de ton sur un synthétiseur pour imiter la flexion des cordes dans les solos de guitare électrique, créés à la guitare avec les doigts ou la barre de vibrato (whammy). Je ne connais aucun exemple de personne utilisant un piano acoustique ordinaire si son intention était d'imiter le jeu d'une guitare.

Il existe une deuxième tradition de claviers en métal qui mérite d'être étudiée: de nombreux claviers en métal Les groupes de metal des années 80 enregistraient presque entièrement avec batterie, basse et guitare, tout en embauchant un claviériste pour des concerts live. Plusieurs fois, le claviériste était caché hors de la scène pour que le public ne puisse pas les voir. Dans les cas où le groupe n'avait qu'un seul guitariste, le claviériste était non seulement obligé de jouer des sons de clavier, mais également de renforcer les sons de guitare rythmique sur le clavier. Souvent, le clavier de choix pour cela était un Hohner Clavinet, un instrument électrique (pas un synthétiseur) qui créait ses sons en utilisant essentiellement des cordes de guitare et des micros de guitare joués par un mécanisme de clavier. Certains musiciens qui ont joué à ce titre étaient Claude Schnell avec le groupe de Ronnie James Dio; et Adam Wakeman (fils de Rick) avec Ozzie Osborne. Je suis sûr qu'il y en a beaucoup d'autres. Vous trouverez peut-être du matériel utile dans les vidéos de concerts en direct de groupes de métal des années 70 et 80, même si, comme je l'ai dit, le claviériste est souvent complètement caché du public et de la caméra.

Vous devez également étudier la manière dont les accords sont exprimés à la guitare, qui est déterminée par la disposition des cordes de l'instrument. À titre d'exemple introductif, pour un guitariste de rock, la forme de base de l'accord de mi majeur contient six notes, tandis que l'accord de la majeur contient cinq notes, mais l'accord de ré majeur contient quatre notes. Voici les voicings exacts des cinq accords majeurs de position ouverte les plus importants que tous les guitaristes apprennent et utilisent.

Si vous utilisez un autre voicing pour jouer ces accords particuliers sur un clavier, il ne rappellera pas la sonorité de la guitare que les auditeurs ont l'habitude d'entendre.

Quelques bons commentaires - pour récapituler et ajouter ma propre touche:

Quand la guitare joue des accords de mesure, les notes principales sont 1-5-8 (FCF, etc.), une octave avec un cinquième au milieu. Les claviéristes sont tentés d'en ajouter un troisième. NE PAS! Deux raisons - 1) la guitare ne joue généralement pas la troisième; et 2) si le guitariste se trompe en choisissant le majeur ou le mineur (les claviéristes sont trop intelligents pour faire cette erreur), vous ne le mettez pas en évidence en vous heurtant à eux. Ou si vous êtes un claviériste slumming, cela vous évite d'avoir à comprendre instantanément "majeur ou mineur?" encore et encore à la volée. Ceci est particulièrement utile lorsque vous jouez avec des personnes avec lesquelles vous n'avez pas répété. Il n'est tout simplement pas nécessaire de jouer CHAQUE note que la guitare gère, et il vaut souvent mieux ne pas le faire.

Lorsque vous remplissez des parties de guitare avec des claviers, vous avez beaucoup de choix. Vous pouvez choisir des sons qui ont des attaques (Rhodes, piano acoustique, clavinet, ...) et des sons qui n'en ont pas (orgues, pads de cordes, grosse dent de scie à la "Jump"). Vous avez des sons brillants et proéminents (clavinet, dent de scie, piano brillant, orgue Farfisa, Hammond complet avec chorus / Leslie) ou des sons plus doux qui ajoutent simplement du poids (Rhodes, Wurlitzer, square wave, 888000000 Hammond sans chorus / Leslie). Vous pouvez dupliquer le rythme des guitares, vous pouvez faire un contre-rythme ou simplement jouer des accords de puissance. Vous pouvez jouer dans la même gamme que la guitare ou la basse, ce qui produit un gros son et dissimule mieux l'ajout de clavier, ou vous pouvez obtenir un son moins boueux et un paysage sonore plus large en choisissant votre propre gamme pour jouer. Lors du remplacement d'une guitare , choisissez un son qui a une enveloppe d'attaque similaire - remplacez les guitares grattées par des sons d'attaque percussifs, remplacez les accords de puissance par des sons d'enveloppe d'attaque soutenus et plus plats.

Dans le même ordre d'idées, la meilleure chose à faire est de choisir quand NE PAS jouer. Dans la musique pop, le refrain est presque toujours "plus gros" que le couplet. Essayez simplement de jouer sur le refrain ou d'utiliser un son plus épais sur le refrain. Le mythe est que "plus c'est mieux". La vérité est que "le contraste est plus intéressant". Ne pas jouer sur les couplets est le moyen le plus simple d'y parvenir. Sauf que vous devez savoir quoi faire pour ne pas avoir l'air gêné lorsque vous ne jouez pas.

Solos - les claviéristes apprennent des gammes majeures et parfois mineures dans les cours de piano. Ensuite, ils appliquent cela aux solos. NON! Apprenez à jouer comme des guitaristes. Utilisez le blues et les gammes pentatoniques, apprenez les modes dorien et mixolydien. Réglez votre molette de pitch bend sur un pas entier à une tierce mineure pour les cordes bends (bend up), ou vous pouvez lui donner plus de portée pour les whammy bars (bend down). Pitch bending est l'équivalent d'un guitariste pliant une corde. La corde se cassera généralement si elle se plie beaucoup plus qu'une tierce mineure, alors ne dépassez pas les limites de la guitare. Écoutez les notes de la gamme que les guitaristes aiment plier et dans quelle mesure. Ce n'est pas une règle absolue, mais se pencher d'une note d'une échelle à l'autre est souvent une valeur sûre. Voici une astuce que vous ne voyez pas partout - combinez mixolydian et blues majeur, ou Dorian et blues mineur. En d'autres termes, ajoutez le plat 3 à votre Mixolydian et ajoutez le plat 5 à votre Dorian. Cela vous évite l'effort mental de faire des va-et-vient entre un mode et une échelle. Dans des contextes bluesy, essayez les gammes Dorian et les gammes de blues mineures.

Articulation - J'ai du mal à convaincre certains guitaristes de cela, mais je réussis très bien à ajouter ou à remplacer des parties de guitare si mon articulation est parfaite. Je place cela AVANT de sélectionner le patch qui se rapproche le plus du son d'une partie de guitare particulière. J'abandonne généralement le patch "Wall of Sound Marshall" pour piano ou orgue car ils ont tendance à être plus réactifs (de manière naturelle et non "programmée") et peuvent souvent mieux atteindre le "but musical" de la guitare dans la chanson qu'un échantillonné. / Patch de guitare modélisé. Donc, votre travail consiste à choisir un patch avec une enveloppe d'attaque et une réponse de jeu qui vous permettent de reproduire au mieux le travail effectué par la guitare. Votre stacatto est-il similaire en longueur et en netteté à celui de la guitare? La queue de vos notes soutenues se rapproche-t-elle de celle de la guitare?

Conclusion - commencez avec des sons et des accompagnements plus doux et moins intrusifs, puis évoluez vers des sons plus proéminents et un jeu plus actif au fur et à mesure que vous développez votre sens de ce qui fonctionne et de ce que votre groupe tolérera. Le but est de les faire sonner mieux, de ne pas se prosterner devant votre plate-forme et de jouer vos prouesses.

Il y a eu plusieurs instruments virtuels sur PC qui ont tenté de permettre à un claviériste d'imiter le jeu d'une guitare rythmique en "remappant" une voix d'accords de clavier (une triade en position fermée) dans les types de voix d'accords utilisés sur une guitare, puis d'utiliser la synthèse ou l'échantillonnage de sons de guitare en conjonction avec la programmation pour fournir une arpégiation automatisée. Je connais trois produits:

Applied Acoustics Strum

Musiclab RealGuitar

Indiginus Torch

Je n'ai aucune expérience personnelle avec ces derniers; Je viens d'entendre leurs démos audio.

De plus, les claviéristes sur ordinateur aiment aujourd'hui envoyer leurs sons de clavier via des simulateurs d'amplis de guitare et des simulations d'effets de pédales d'amplis de guitare, comme ceux trouvés dans Apple Logic et IK Multimedia Amplitube, afin de transmettre les caractéristiques des amplificateurs à lampes et de la distorsion, qui sont associés aux sons de guitare rock, aux sons des instruments à clavier.

J'ai joué dans de nombreux groupes et passé des années et des années à perfectionner les sons et le style de jeu pour les mélanger avec différentes parties de guitare, ou approximer (mais pas simuler) diverses lignes. J'ai même un tas de patchs de guitare assez exacts quand ils sont associés à des simulations d'amplis, j'ai juste l'impression de chugger sur une SG (je l'ai fait dans un groupe sans guitares et personne n'a vraiment remarqué). MAIS ... le Saint Graal n'est pas de donner l'impression que vous essayez d'être une guitare. Tout d'abord, levez-vous et criez "JE SUIS UN CLAVIER F *** ING!" puis asseyez-vous et mettez-vous au travail.

Il existe de nombreux types de guitare, et je trouve que c'est un défi formidable d'essayer de les rapprocher (ou de les battre). Certains se prêtent plus facilement aux claviers que d'autres.

Solos et leads de guitare? Facile. Nous l'avons craqué il y a un an. De toutes choses, mon héros de tous les temps pour les pistes de clavier «guitaristes» est Derek Sherinian (ancien Dream Theater). Écoutez son matériel de Falling into Infinity comme "Lines in the Sand", cet album pourrait avoir une mauvaise réputation, mais il est un maître absolu pour avoir une bonne compréhension de la bombade et du personnage dont les grands guitaristes tirent leur sentiment: des virages bluesy, pentatonics, pédales wah, feedback, etc. mais il ne se contente pas de lancer un patch de guitare merdique via un Marshall non plus. Il a des fils de scie soigneusement conçus qui traversent des simulations de wah et d'amplis qui crient toujours "Je suis un synthétiseur!", Mais qui sont sales et durs comme du rock. Jon Lord est un autre grand bien sûr, utilisant un B3 via un Marshall JCM800 ainsi que peut-être le piano électrique le plus chinci connu de l'homme! Eddie Van Halen, bien sûr, a époustouflé tout le monde avec ses pistes de clavier et mérite une sérieuse reconnaissance. Les leads sont faciles, amusez-vous! Mais autant que je les aime: Rick Wakeman, Keith Emerson, Tony Banks et Kevin Moore ... d'excellents claviéristes avec d'excellents chefs de synthé, mais ils n'essaient vraiment pas d'atteindre la saleté qui sort d'un plomb de guitare .

Des parties rythmiques en métal? "Chugga-chugga"? Nous avons aussi craqué celui-là. Jon Lord, haut la main. Hammond peut avoir tout le ballz comme une Gibson saturée. Mais restez à l'écart de Leslies si vous prévoyez de lancer des cornes (sans jeu de mots). Faites-le passer à travers un ampli Marshall, Orange ou un autre ampli spécialement métallique et sautez le rotor. Les Hammond ont une attaque folle en raison de leur réglage de percussion, ainsi qu'un "clic" électronique qui est un sous-produit de la touche enfoncée. Cela fait un excellent travail pour obtenir l'énorme punch d'une guitare rythmique en sourdine. La seule chose à laquelle il faut faire attention est que les orgues ont un sustain constant, pas les guitares. Donc, les notes plus longues ne seront évidemment pas guitaristes, c'est pourquoi il est facile de jouer le rôle d'un guitariste métal, mais pas celui de grunge.

Voici où les problèmes commencent: guitare propre (isn), ou pire encore, une guitare claire arpégée. Rock doux, rock des années 90, etc. Non métal, je ne connais pas de technique de clavier ou de son qui puisse rendre justice à cela. Les clavinets peuvent être faits pour sonner JUSTE COMME des guitares (ils sont essentiellement la même chose à l'intérieur, une corde choisie), mais j'ai presque l'impression que c'est de la triche, tout le monde pensera simplement que vous utilisez un mauvais échantillon de guitare sur votre planche, à moins d'avoir une vraie clarinette là-bas. Rhodes et Wurlis ont tous tort, bien qu'ils aient un beau son qui leur est propre, leur attaque de percussion est beaucoup trop pure et la cloche ressemble à une attaque de guitare, et n'obtient tout simplement pas le bon son.

J'écris ceci alors que j'ai du mal à trouver une partie décente pour la ligne rythmique (pas la partie de Slash) sur "Sweet Child o 'Mine". J'y suis depuis des heures, j'ai essayé des pianos saturés, des rhodes, des wurli, des synthés avec tous les amplis différents. Mais il est assez difficile de trouver quelque chose avec une attaque similaire à une guitare et un decay pour jouer ces parties rythmiques graveleuses mais pas chugging.

Vous devez être conscient que jouer un clavier basé sur des échantillons sur un son de "guitare saturée" nécessite une voix différente que de jouer sur une guitare saturée. La raison en est qu'avec une guitare, l'overdrive est appliqué après combiner les cordes alors qu'avec un clavier basé sur des échantillons, l'overdrive est échantillonné avant de combiner les cordes .

En conséquence, vous pouvez empiler plus de notes dans un accord de type clavier sans avoir de bouillie méconnaissable. Si l'accord de rock power est ce que vous recherchez réellement, il peut être plus judicieux de choisir un son de "guitare électrique propre" sur le clavier, supprimer toutes les traces de réverbération et de profondeur, etc. le clavier dans une configuration d'ampli de guitare typique, avec overdrive, ampli de guitare (ou simulateur d'ampli) et tout. Avec ce genre de configuration, vous êtes plus susceptible d'obtenir des accords de puissance doigtés pour se transformer en matériau rock plutôt qu'en matière synthétique.

C'est un peu d'effort pour quelque chose qui est un peu plus proche de la réalité. Il peut être plus judicieux d’apprendre la guitare.

Ou tout simplement de ne pas trop insister sur l’authenticité et de jouer du clavier comme un clavier et d’accepter le son de type «guitare rock» «assez proche».

Je suis tout à fait d'accord pour mettre la distorsion au-dessus d'un son clair. Dans mon esprit, c'est 101 de presque toutes les générations de sons. "Baking in" la distorsion est ce qui se traduit par tous ces terribles sons de guitare "general midi" des années 80-90 comme vous avez entendu dans les jeux vidéo. La distorsion dans une guitare résulte en grande partie de l'interaction harmonique entre les notes simultanées, en particulier les accords de puissance; plus il y a de notes, plus les harmoniques sont exponentiellement créées par la distorsion, et les joueurs l'utilisent pour améliorer le dynamisme de leur rythme et de leurs lignes principales.

Dans ce cas, expérimentez avec tous les types de claviers traditionnels: acoustique piano, pianos électroacoustiques et orgues, et mettez différents types de simulations de distorsion / ampli sur eux et déterminez ce qui fonctionne le mieux pour la partie. Parfois, le piano saturé est spectaculairement méchant! Le groupe Muse utilise souvent un piano acoustique avec un peu de "chaleur à tube" pour créer des lignes épaisses et percutantes, avec un grand effet.

Les synthés sont une autre affaire. Les "synthés soustractifs" traditionnels et les échantillonneurs comme les Mellotrons, commencent avec des sons riches en harmonie, pas complètement à la différence de la distorsion. Mettre de la distorsion sur une dent de scie, par exemple, ne change pas vraiment la sensation de tout cela, par exemple.