Je ne crois pas qu'il existe une procédure standard pour la composition, l'inspiration peut venir de n'importe où, comme jouer un riff ou une mélodie cool, entendre une autre chanson et en avoir une idée, une mélodie aléatoire qui vient juste de surgir votre tête en fredonnant, en utilisant la théorie musicale, etc. il n'y a vraiment pas de bonne ou de mauvaise façon de composer. Si vous êtes satisfait du produit final, c'est la seule chose importante. :)

Une idée qui pourrait vous aider avec votre processus de déconner au piano sans écrire les choses est d'acheter un clavier USB bon marché comme le M-Audio Keystation 61 MKII et d'enregistrer ce que vous jouez sur l'ordinateur comme Données MIDI. De nombreuses applications d'enregistrement pourront afficher cela sous forme de notation musicale, ou vous pouvez importer les données MIDI dans un programme spécialement conçu pour la notation musicale. De cette façon, le logiciel notera automatiquement vos performances pour vous. Vous pouvez également facilement éditer et affiner votre performance en déplaçant les notes à la main dans l'éditeur pour obtenir le son exactement comme vous le souhaitez. Cela vous donne également la possibilité d'entendre votre composition en tant qu'auditeur neutre qui révélera des choses que vous n'avez peut-être pas entendues pendant que vous vous concentriez sur la lecture.

Premièrement, si vous avez réussi (plus d'une fois) à concentrer vos efforts pour créer une pièce finie, vous faites évidemment quelque chose de bien! Il y a beaucoup de gens avec un talent musical et une ambition considérables qui n'arrivent presque jamais à finir quoi que ce soit, donc vous savez évidemment quelque chose dont certains d'entre nous pourraient apprendre.

Une chose à considérer de temps en temps est - qu'essayez-vous d'accomplir? Essayez-vous de reproduire un certain style afin de comprendre son fonctionnement? Essayez-vous d'exprimer un sentiment ou de raconter une histoire à travers la musique? Êtes-vous juste fasciné par les sons et souhaitez-vous explorer?

Sur la nécessité d'écrire une partition / d'utiliser la notation standard, je vais faire une analogie maladroite: de 7 à 16 ans environ, j'ai appris le français ; au cours de la même période, j'ai appris à lire et à écrire de la musique (partition) dans divers contextes. Depuis, je n'ai vraiment pas beaucoup utilisé ces deux compétences. Sur le plan français: je ne suis allé en France qu'une seule fois, et la plupart des Français que j'ai rencontrés dans mon pays parlent un anglais correct. Sur la nécessité d'utiliser la notation et la partition standard: je me suis éloigné des activités musicales qui impliquaient de jouer à partir d'une partition, et quand je composais, je voulais produire et mixer un disque entier; produire une partition pour que d'autres puissent jouer n'aurait pas été pertinent. (Bien sûr, cela ne veut pas dire qu'apprendre le français était inutile - j'ai appris d'autres langues depuis, en m'appuyant sans doute sur cette expérience - et de même, la théorie et les idées que j'ai apprises dans mon éducation musicale précoce font toujours partie de mes pensées et des idées maintenant.)

Donc vraiment, il vous suffit de vous demander pourquoi vous notez vos scores. Est-ce pour les donner à d'autres pour jouer? Cela vous aide-t-il à organiser vos pensées? Si cela ne vous aide pas, il existe d'autres moyens d'enregistrer vos idées - MIDI, vidéo ou simplement un magnétophone.

En ce qui concerne la perspicacité théorique - rappelez-vous qu'il existe de nombreux systèmes possibles pour analyser un morceau de musique, pour exprimer sa structure, pour tracer les limites dans lesquelles il se déplace. Vous utiliserez certains de ces systèmes, que vous le vouliez ou non. Ce que vous choisissez de travailler consciemment peut être un choix créatif.

Si vous pensez ne pas avoir trouvé un bon processus, pourquoi ne pas écrire chacune de vos prochaines douzaines de pièces en utilisant un processus différent?

• Trouvez un vieux livre de théorie poussiéreux - le genre qui aime vous dire les «règles» de la musique - et suivez-le exactement.
• Versez quelques gouttes de thé sur du papier vierge. , et écrivez des notes de musique autour des contours des taches pour créer les formes des lignes musicales
• obtenez deux magnétophones. Enregistrez-vous en jouant une ligne très simple. maintenant jouez-la, en ajoutant une autre ligne simple en direct avec votre instrument. Répétez.
• Revenez à votre livre de théorie poussiéreux. Maintenant, écrivez un morceau qui enfreint toutes les «règles».
• Écrivez un morceau qui exprime l'histoire la plus triste de l'actualité d'aujourd'hui.
• Choisissez un instrument que vous n'avez jamais joué auparavant et essayez de créer la pièce la plus compliquée que vous puissiez physiquement jouer dessus.
• Écrivez dix morceaux, chacun ne durant pas plus de 7 secondes. Chacun doit avoir un début, un milieu et une fin.
• Trouvez quels sont vos trois accords préférés, et écrivez un morceau en utilisant uniquement ceux-ci, avec une mélodie simple ajoutée par-dessus ...

... et ainsi de suite. Je suis sûr que vous pouvez penser à de meilleurs.

Une autre chose que je dirais est: faites sortir votre musique! Je fais partie de ces personnes terribles que j'ai mentionnées dans le premier paragraphe, qui tripote toujours une idée ou une autre et termine rarement quoi que ce soit. Obtenez-le sur YouTube, sur Soundcloud ou écoutez-le simplement avec vos amis. Ou pas, si tu ne veux pas. Quoi que vous fassiez, assurez-vous simplement que ce que vous faites vous rend heureux ...

Je suis avec vous pour ne pas interrompre le flux d'idées. Je suis sûr qu'il peut y avoir des compositeurs qui pensent à la musique sous un angle différent et pourraient trouver plus facile d'esquisser leurs idées sur papier. C'est peut-être ainsi que leurs idées circulent. J'admire les gens qui peuvent commencer à écrire de la notation (en utilisant un ordinateur ces jours-ci) et savoir à quoi cela ressemblera avant de la jouer. Je ne suis pas de ceux-là. Et je n'ai pas l'intention de commencer. Ce n'est pas ainsi que fonctionne la partie créative de mon cerveau - du moins en ce qui concerne la musique. J'aime écrire mes paroles pour pouvoir les regarder au fur et à mesure que je les crée et que je les développe.

À mon avis, la musique est quelque chose que vous «écoutez». Vous ne pouvez pas vraiment «lire» de la musique comme vous lisez un livre. Il est destiné à être entendu. Je pense donc qu'il y a beaucoup de valeur à composer sur un instrument - et le piano est certainement l'un des instruments les plus polyvalents pour composer.

J'ai réussi à écrire de nombreuses chansons complètes, à composer la mélodie, à arranger la musique et à écrire les paroles. Je compose à la guitare (même si j'adorerais améliorer mes compétences de piano pour pouvoir aussi composer au piano). Ma définition de la composition est que j'entends en quelque sorte une mélodie dans ma tête et je trouve les accords qui vont avec cette mélodie, puis j'écris la progression d'accords.

Clause de non-responsabilité: j'écris de la country, du folk, de la pop, du blues et peut-être du rock'n'roll discret. La musique classique écrite pour un orchestre peut exiger une approche plus académique.

La plupart du temps, j'ai écrit des paroles pendant que je compose la mélodie et je peux écrire les paroles sur un morceau de papier et les espacer en fonction de la mesure, du rythme et du phrasé de ce que j'entends la musique et comment cela correspond aux paroles. Ensuite, je joue des accords pour confirmer qu'ils correspondent à la mélodie dans ma tête et une fois confirmé, j'écris les accords au-dessus des paroles là où ils vont.

Une fois que j'ai établi une progression d'accords de base pour le refrain et les couplets, je peux écrire le reste des paroles et décider si j'ai besoin d'un pont, auquel cas je jette une variation sur la progression d'accords menant à la finale Refrain. Dans la plupart des cas, j'essaie de rendre mes couplets et mes refrains différents. Je pourrais utiliser un accord de pivot pour changer l'ordre de ma progression d'accords - même si j'utilise les mêmes accords.

Avant d'essayer de composer de la musique, j'écoutais de la musique. J'ai écouté pendant de nombreuses années à partir de l'âge de 1 mois environ. Au moment où j'étais prêt à écrire ma propre musique, j'avais une grande base de données de phrases musicales, de mélodies, de rythmes et de progressions d'accords dans mon cerveau. Dès que j'ai appris à puiser dans cette base de données dans ma tête - et à extraire des informations utiles que j'ai pu reconstituer dans une chanson, j'étais un auteur-compositeur / compositeur.

Ce n'est qu'après avoir commencé à écrire des chansons que j'ai même beaucoup appris sur la théorie. Au début, je savais juste que si je mettais un Cmaj, un Dmaj et un Gmaj dans ma progression d'accords, cela sonnait bien - comme certaines des chansons de mes banques de mémoire. Ce n'est que plus tard que j'ai appris que G C et D étaient les accords majeurs dans la clé de G et que si j'étais dans la clé de G, je pourrais aussi utiliser un Em et un Bm et un Am et ils fonctionneraient tous.

En ce qui concerne la mémorisation de ma mélodie - après avoir écrit ma progression d'accords et la jouer plusieurs fois, j'enregistre une voix de guitare sur un enregistreur numérique en mode d'enregistrement mp3 - puis je stocke le fichier sur l'ordinateur. Après l'avoir peaufiné pendant quelques jours, si je décide que c'est un gardien, j'utiliserai mon enregistreur multipiste Boss BR 800 pour poser une batterie, une guitare, une voix, une harmonie et une guitare solo et si je deviens vraiment ambitieux une guitare basse. Je peux ensuite finaliser et maîtriser l'enregistrement après l'avoir mixé comme je l'aime, et le convertir en fichier MP3 et le mettre sur mon ordinateur et l'envoyer par e-mail à mes amis. Je peux même l'envoyer avec un document Word des paroles au bureau américain des droits d'auteur et recevoir un certificat de droit d'auteur.

La seule notation musicale que je sais écrire est celle des accords et c'est assez simple. Si je veux noter un accord C, j'écris "C" (imaginez cela). Si c'est un do mineur, j'écris "Cm". C'est à peu près aussi compliqué que ça pour moi, mais c'est tout ce dont j'ai besoin.

Si j'enregistre une chanson en studio, je laisse les musiciens de la session écouter la guitare / voix de base avant la session d'enregistrement et proposer leurs propres parties pour jouer sur les voix et jouer pendant tout solos. Ils n'ont jamais besoin de rien de plus qu'une feuille principale avec les accords écrits au-dessus des paroles, donc quand ils écoutent la guitare / la voix, ils peuvent voir quel accord je joue à une partie donnée de la chanson.

Une chose que j'ai commencé à faire davantage, c'est d'analyser la musique que j'aime pour essayer de comprendre ce que j'aime dans la musique. Est-ce le rythme, la progression d'accords, la tessiture, l'instrumentation, la structure? Et puis quand je trouve une formule que je peux reproduire, je l'utilise pour écrire une composition originale de ma part. C'est aussi analytique que j'obtiens sur la partie musicale.

Donc je suppose que vous pourriez dire que la plupart du temps, je ressens simplement la musique sur mon instrument. Il y a plus d'un processus académique pour écrire les paroles, mais c'est un autre sujet pour un autre jour.

Si vous êtes plutôt un penseur de type visuel, il pourrait être utile d'apprendre à écrire la musique pendant que vous composez afin que vous puissiez voir des modèles et appliquer la «théorie» pour exploiter ces modèles en quelque chose d'unique. Mais je vais passer tout le temps que je pourrai consacrer à la musique - me sentir et créer une musique plus originale. Je suis trop vieux et la vie est trop courte pour retourner à l'école.

Il peut y avoir des informations connexes et utiles dans les réponses à cette question Utilisation du solfège dans la composition. Et si vous avez un intérêt, voici une explication plus détaillée de la façon dont j'écris de la musique lorsque je compose: Ce que je fais au lieu de transcrire ma musique en notation

Amusez-vous à composer, quelles que soient les méthodes que vous employez.

Il n'y a pas vraiment de processus fixe pour la composition car il s'agit bien plus d'un art que d'une science. Je ne pense pas avoir jamais utilisé le même processus deux fois lors de la composition d'une pièce, d'autant plus que chaque pièce est de nature différente car vous ne voulez pas simplement écrire la même pièce encore et encore.

Parfois, j'ai une belle mélodie ou un riff qui lance la composition, d'autres fois une harmonie que je trouve intrigante démarre le processus, d'autres fois je rencontre une idée ou un concept que je veux explorer et comprendre comment le travailler dans une composition, et parfois je suis approché pour écrire une pièce pour un projet. Ce sont tous des scénarios très différents et la façon dont les processus se déroulent à partir de là est également très différente. Parfois, je me concentre sur la solidification de ce que je veux que la forme soit. D'autres fois, j'essaierai d'harmoniser et d'écrire une mélodie pour ce que j'ai. D'autres fois, je veux d'abord définir l'instrumentation, le style ou la sensation. Cela varie beaucoup d'une pièce à l'autre en fonction de nombreuses variables différentes et certaines ne voient jamais le jour.

La seule chose que vous devez garder à l'esprit est que la composition est un processus très écrit et révisé. Il y aura toujours des choses à ajouter et des parties qui peuvent être modifiées. Il arrive un moment où vous devez libérer votre travail dans la nature et même dans ce cas

Même dans une classe de composition, le processus n'est pas défini. Si vous suiviez des cours de composition, vous seriez présenté aux sujets et ensuite on vous dirait d'en écrire un comme devoir. Bien qu'il ne vous apprenne pas le processus exact, cela vous donne un concept très important qui étoffera votre processus de composition qui est une date limite. Cela vous oblige à trouver un processus pour écrire des choses que vous ne toucherez peut-être plus jamais et c'est exactement ce dont vous avez besoin pour progresser en tant que compositeur et acquérir une expérience précieuse dans l'art.

Une dernière remarque est que la théorie vous aidera énormément à composer de différentes manières. Tout d'abord et surtout, vous pouvez regarder les pièces que vous aimez, les décomposer et en tirer des leçons. Deuxièmement, vous pouvez l'utiliser pour combler les lacunes lorsque vous êtes vraiment coincé ou ne savez pas quoi faire.

En bref, composez comme vous le souhaitez et comme vous le souhaitez. Tout dépend de vous.

Vous le faites "bien". Laissez juste la musique s'écouler de vous. Parfois, vous resterez assis pendant des heures et ne réaliserez rien. Parfois, vous tomberez sur quelque chose qui vous émeut en quelques minutes.

Rendez-moi simplement service et gardez votre smartphone à portée de main pour pouvoir enregistrer des extraits de quelque chose quand c'est bon.

In Bref, continuez simplement à faire ce que vous faites.

Je le fais comme on m'a appris à faire de l'harmonie en 4 parties. S'il y a des mots, écrivez-les. Écrivez la mélodie; comprendre l'harmonie; écrivez la partie de basse et notez l'harmonie; ajoutez les voix intérieures. Rincez et répétez à chaque étape ou à travers toutes les étapes. Au fur et à mesure, vous découvrirez des similitudes structurelles que vous souhaitez exploiter, pensez à des harmonies alternatives, etc. Faire tout cela sur papier MS ces jours-ci est une perte de temps. J'utilise Finale.

NE travaillez PAS au piano à moins que vous ne sachiez vraiment ce que vous faites, c'est-à-dire que vous avez déjà une vaste expérience de le faire «sur papier» comme ci-dessus, ou dans votre tête. Sinon, tout ce que vous écrirez, ce sont des coups de langue faciles au piano. Ou des licks de guitare faciles, ou tout autre instrument que vous pouvez jouer.

Bien sûr, si vous écrivez une symphonie ou une double fugue, c'est un peu différent ;-)

Je vous recommande de ne pas abandonner votre méthodologie actuelle, mais de vous en inspirer pour le moment.

Un élément clé est que vous n'avez vraiment rien écrit avant d'avoir écrit la chanson. Vous devez littéralement fixer votre chanson sur un support pour l'avoir écrite. Le jouer et le garder dans votre tête ne vous confère même pas légalement de droits d'auteur. Vous devez donc choisir une méthode d'écriture qui vous convient.

En ce qui concerne l'écriture de chansons, le papier manuscrit est obsolète par l'enregistrement MIDI. Vous voudrez peut-être imprimer le manuscrit à partir du MIDI plus tard pour que les musiciens puissent jouer, mais écrire sur du papier de partition à la main est quelque chose que vous ne choisiriez de faire que si vous aimez vraiment, vraiment le faire de cette façon.

Si votre piano a une sortie MIDI, connectez-la à un séquenceur et enregistrez simplement votre jeu de forme libre. C'est aussi «écrire» la chanson. Ensuite, une fois que vous avez quelque chose qui clique, vos 3 à 5 minutes seront capturées sous forme de données MIDI sur lesquelles vous pourrez construire. Par exemple, si vous avez une mélodie et des harmonies, vous pouvez superposer une partie de basse, ajouter de la batterie. La batterie peut être jouée sur le piano via des sons de batterie ou vous pouvez utiliser des boucles de batterie.

Si vous enregistrez une mélodie, des harmonies et une partie de basse en MIDI, ainsi qu'une partie de batterie de base en MIDI ou des boucles, alors il est étonnant de voir comment cela peut être orchestré de toutes sortes de façons. Vous pouvez écrire des paroles pour la mélodie et la chanter, vous pouvez l'arranger (ou la faire arranger) pour un petit groupe ou un grand orchestre, choisir presque n'importe quelle gamme d'instruments, l'arranger dans différents genres. Ces parties de base peuvent être développées dans presque n'importe quoi.

Un élément clé est d'écrire régulièrement. Soit selon un horaire fixe comme 1 à 5 fois par semaine, ou deux fois par semaine lorsque l'inspiration vient. De cette façon, non seulement vous vous améliorez dans l'écriture de chansons à chaque session, mais vous créez une collection de chansons auxquelles vous pouvez vous référer et apprendre d'une manière plus large. Par exemple, vous remarquerez que vous n'écrivez que des chansons lentes et que vous essayez donc des chansons plus rapides.

Enfin, je vous recommande vivement de terminer chaque chanson. Une fois que vous avez cette partie qui clique, développez-la jusqu'à ce que vous ayez la mélodie, l'harmonie, la basse et la batterie avant de passer à la chanson suivante. Sinon, vous pouvez vous retrouver avec de nombreux fragments de chanson et aucune chanson réelle. Il y a beaucoup d'apprentissage qui se produit lorsque vous terminez les chansons, et cela finit par conduire à de meilleures chansons au fur et à mesure.

Il y a plus de façons de faire cela que de secouer un bâton. Je vais détailler mon chemin. Votre kilométrage variera - c'est comme il se doit - mais je vais vous présenter quelques points qui devraient vous intéresser.

Je viens généralement avec une idée mélodique d'abord, que j'élabore comme thème ou comme sujet contrapuntique (selon la nature de l'idée) - mes tendances en tant que compositeur sont assez contrapuntiques, de sorte que même la voix menant des accords composés agit comme si les accords étaient composés de voix distinctes. D'autres peuvent (et, je suppose, le font souvent) partir d'accords.

Je fais ce travail directement dans un logiciel de notation (une ancienne version de Sibelius dans mon cas); J'avais l'habitude de le faire avec un crayon et du papier à l'époque avant les ordinateurs personnels. Je n'écris pas au piano, même si la plupart de mes œuvres sont pour des claviers de différentes sortes - je connais mon chemin autour des claviers, et je vérifie le travail pour la praticité plus tard quand j'ai terminé. Travailler directement dans la partition me permet de voir comment les voix évoluent, ce qui facilite grandement leur suivi. Cela ressemble à ce que vous trouvez lorsque vous dites: "Mais là encore, quand je n'écris pas les choses, j'ai du mal à jongler avec toutes les permutations et variations de formulaires dans ma tête ..."

Notez que Je ne suis pas en train d'éloigner le travail du clavier comme idéal - cela fonctionne pour moi, mais vous semblez générer vos idées directement au piano. C'est bien - Beethoven et Schoenberg n'ont pas écrit au piano, mais Haydn et Stravinsky l'ont fait. Une très bonne musique a été écrite de toute façon.

Cependant, il me semble que vous essayez probablement d'écrire de la musique d'une assez grande complexité, de sorte que vous devez jongler avec "les permutations de formes et les variations". Ma propre expérience est que, lorsque la forme musicale a des éléments de juxtaposition et de montage dans ses transitions entre les thèmes et les zones tonales - appelons-la une vue «architectonique» de la forme - alors enregistrer et mélanger des pistes devient un très bon moyen de «noter» le travail. Si, cependant, un thème et / ou une zone tonale se développe à partir d'un autre - appelez-le une vue «organique» de la forme - alors la notation dans une partition prend tout son sens.

Pour moi, ce dernier est normalement la situation. Je vais travailler sur l'idée d'ouverture et, comme je le fais, j'ai une idée assez juste de l'endroit où la musique doit aller - pas nécessairement à quoi ressembleront les thèmes subsidiaires, mais de quel genre thèmes qu'ils doivent être, quelles régions tonales ils doivent articuler, combien de temps ils doivent être. Je vais ensuite reprendre mon idée initiale et l'écrire du début à la fin dans l'ordre (ce qui est un peu inhabituel), en polissant au fur et à mesure. Quand je m'arrête de travailler pour la journée, il peut y avoir juste une indication des notes suivantes dans chaque voix à la fin, ou je peux avoir un squelette des entrées vocales importantes pour la phrase suivante ou deux; la dernière phrase jusqu'à ce point sera écoutable, mais sujette à changement car les voix sont diffusées plus tard, et tout le reste avant cela sera sous une forme raffinée, sous réserve de révision uniquement lorsque je vérifierai le pièce pratique à la fin.

Maintenant, je ne vais pas recommander cela comme le moyen pour vous d'écrire de la musique - pas du tout. D'autres personnes esquissent leurs thèmes dans le désordre et les relient en travaillant sur des passages de transition, et cette méthode peut très bien convenir à la nature de ce que vous écrivez. Comme ma force en tant que compositeur est contrapuntique, mes propres thèmes et modulations ont tendance à se développer les uns sur les autres. Si j'essaie d'être trop détaillé à l'avance, les voix ne se raccordent pas de la manière la plus efficace d'une section à l'autre, donc je garde l'objectif général d'un passage à l'esprit et ajuste l'ordre des voix à la volée pour effectuer les meilleures transitions possibles. Je peux le faire parce que j'ai une mémoire inhabituellement bonne - je peux et je garde des idées associées à des croquis de travail dans ma tête pendant des années. Lorsque j'esquisse des sections ultérieures à l'avance, c'est généralement juste pour la "preuve de concept", par exemple, telle ou telle idée thématique peut être jouée simultanément avec une autre idée, et elles fonctionneront bien ensemble.

Ce qu'il faut retenir de tout cela, c'est que mes méthodes sont optimisées pour mes propres caractéristiques et forces en tant que compositeur (et cette optimisation est un processus continu). Une partie de devenir compositeur consiste à apprendre à évaluer vos forces et vos faiblesses de manière réaliste et à ajuster vos processus de flux de travail en conséquence. Pour mon genre de musique, une esquisse détaillée d'un thème à l'avance aboutit à une très belle section qui ne sort pas des matériaux précédents, et ma musique parle de flux et de croissance, donc je finis par devoir réécrire de gros morceaux de toute façon. C'est une vraie perte de temps, hein?

Vous devrez donc ajuster vos procédures de travail en fonction de vos propres objectifs et caractéristiques musicales, et la personne qui pourra le mieux analyser vos besoins sera vous-même ( et vous ferez des erreurs en cours de route, ce sera donc un processus continu). Le mieux que nous puissions faire ici est de faire des suppositions et des suggestions très générales ...

... ce que je vais faire:

• Vous travaillez au piano, ce qui est parfaitement bien, mais cela rend les croquis au crayon et au papier fastidieux.
• Cependant, vous ressentez le besoin d'organiser et de structurer votre travail, probablement parce qu'il commence à manifestent une certaine complexité de la structure, et vous voulez que cette structure soit plus optimale que ce qu'il est possible d'obtenir en enregistrant une improvisation directe (c'est-à-dire que la structure a besoin de quelques ajustements). ne vous divisez pas en sections autonomes qui peuvent être enregistrées, importées dans un DAW et épissées en place (ou vous le feriez probablement déjà). Vous trouvez peut-être que comment vous passez du thème A au thème B est aussi important que les thèmes eux-mêmes, et que l'écriture pour marquer le score capture cette caractéristique le mieux pour vous. (Sinon, essayez la route enregistrement / DAW. Il n'y a absolument rien de mal avec la musique "architectonique" de style montage, et c'est peut-être le moyen le plus pratique de la structurer.)
• Si la notation est la meilleure pour capturant ce que vous essayez de faire, le problème est alors de minimiser l'interruption de votre flux de travail. Essayez d'utiliser un programme de notation basé sur l'interface graphique. ( Musescore est facilement capable de toutes les tâches habituelles, et c'est gratuit. Vous pouvez acheter un programme de qualité professionnelle comme Sibelius ou Finale plus tard, à mesure que vos besoins augmentent.)

Je trouve que la saisie des notes prend à peu près le même temps qu'avec un crayon et du papier, mais, pour votre style de travail, il est important de considérer que des programmes comme Musescore (ou Sibelius ou Finale ...) sont capables de lecture, ce qui signifie que vous pouvez continuer à composer tout en travaillant dans le programme de notation (alors que le fer est encore chaud), puis retourner au piano pour vérifier la jouabilité et mettre en ordre vos idées de suite. Ce que cela signifierait pour vous, c'est que le temps passé à noter est moins séparé du processus réel de composition, moins d'une interruption. (Je ne suggérerais pas d'importer un flux MIDI dans votre programme de notation - Je n'ai pas encore vu de partition créée en important du MIDI qui ne nécessite pas plus de temps passé à rendre la partition lisible que vous ne passeriez à entrer le se note, pour toutes les musiques sauf la plus simple.)