Vous pouvez penser à la théorie musicale en deux parties:

• La partie «scientifique»: physique et psychoacoustique
• La partie «conseils stylistiques»: modèles et pratiques qui ont été observés comme étant communs à certains styles musicaux - c'est-à-dire si vous voulez ce type de son, vous devriez le faire .

D'un point de vue scientifique, peut-être pouvons-nous observer que

• Certaines notes ont des fréquences fondamentales qui font partie de la série harmonique d'autres notes (ou ont une relation d'octave avec celles-ci), leur donnant une relation étroite et faisant du mouvement entre eux facile.

• (évidemment) certaines notes sont proches de la hauteur, ce qui donne un mouvement naturel ascendant ou descendant lorsque vous passez de l'une à l'autre.

• Nous avons tendance à nous attendre à ce que les morceaux de musique (ou des sections de ceux-ci) se déplacent vers une note fondamentale sur laquelle repose l'harmonie.

La gamme diatonique, qui est ce que vous utilisez lorsque vous écrivez de la musique dans une clé, a été conçu pour prendre ces choses en compte, et donc si vous l'utilisez, vous aurez beaucoup d'opportunités pour une bonne harmonie scientifiquement solide :). Cependant, l'échelle diatonique (et toute l'idée des clés) est un choix stylistique . Ce n'est certainement pas la seule façon d'écrire une bonne harmonie - par exemple, la gamme à 12 tons égaux tempérés permet de nombreuses possibilités harmoniques qui fonctionnent bien mais sortent des limites d'une clé particulière.

Donc, pour demandez Quand est-ce que cela a du sens d'avoir des accords qui ne sont pas clés? pour moi, c'est un peu en arrière. Si vous vous limitez aux notes (et donc aux accords) dans une clé, c'est parce que vous avez déjà pris une décision stylistique de le faire, parce que vous voulez ce son particulier . Si vous n'avez pas pris cette décision, alors vous n'êtes pas dans une clé (dans le sens de vous en tenir aux notes de la gamme diatonique), et donc la question que vous avez posée ne se pose pas.

En d'autres termes, vous pouvez toujours faire ce que vous voulez, et «donner du sens» n'entre pas en jeu.

Cependant, si nous considérons les «conseils stylistiques» que nous donne la théorie musicale styles particuliers: dire De la théorie musicale je ne connais aucune raison de ne pas utiliser l'un des accords de la clé dans n'importe quel ordre m'indique que vous pourriez utilement lire un peu plus autour du sujet! Une grande partie de la théorie musicale concerne les moyens de choisir vos mouvements harmoniques. Voici quelques points de départ à examiner:

• Harmonie fonctionnelle
  • Comment configurer des modulations
  • des idées plus avancées telles que les dominantes secondaires
• Harmonie jazz et substitutions
• Modes
• La gamme de blues
• Progressions d'accords "standard":
  • Progressions de blues
  • Quarts ascendants / progressions basées sur les quintes décroissantes
  • Jetez un œil à http://www.hooktheory.com/theorytab/common-chord-progressions

Une grande partie de la musique moderne provient d'un mélange d'harmonie classique et de pratique courante, et de gammes et de modes de blues et de folk. Personnellement, je pense que cette fusion soudaine de styles a un peu attrapé le champ de la théorie musicale dans le houblon, et je n'ai rien lu qui traite vraiment de la manière dont les différentes traditions musicales sont mélangées pour créer les effets communs que nous voyons dans chanson populaire - malheureusement, vous entendez souvent une suggestion selon laquelle «l'emprunt d'accords» est en cours, et pas beaucoup plus. Peut-être que quelqu'un de mieux informé peut suggérer quelque chose! Pourtant, une fois que vous avez appris les différentes traditions que j'ai mentionnées, vous avez probablement la plupart des outils dont vous avez besoin pour donner un sens aux chansons à votre manière.

En réponse à votre avant-dernière question - Le changement d'accord le plus courant est probablement d'un quart, comme dans Am - Dm, ou C - F. Il se produit dans à peu près n'importe quel air existant dans le monde occidental. Il s'est avéré que c'était quelque chose qui fonctionnait, et qui sonnait bien et naturel, donc il est utilisé. Tout accord diatonique peut suivre et suit n'importe quel autre, sans paraître «faux» pour la plupart des gens, musos ou non. Mettez n'importe quel autre accord dans une séquence, et les gens pourraient facilement dire que cela semble désaccordé. Ce ne sera pas le cas, mais ce n'est pas le changement attendu, qui peut être n'importe lequel des 7 habituels.

En essayant de répondre à votre dernière question, cela aide si la mélodie contient des notes de l'harmonie sous-jacente, et vice versa. Donc, si un morceau s'éloigne des notes diatoniques, mais pas nécessairement, un autre accord pourrait s'inscrire en dessous. Disons qu'une chanson en Do a une longue note, pour une mesure, c'est B. Un accord majeur en Si, ou en fait tout accord contenant un B peut bien convenir. C'est un grand choix - C # 7 ou Abm sont deux options «bizarres», mais fonctionneraient ou non selon les accords de chaque côté.

La réponse de Todd est bonne, et je suis d'accord avec sa lecture recommandée.

Une manière utile de regarder les progressions d'accords est de les traiter comme plusieurs lignes mélodiques jouées ou chantées les unes sur les autres.

Par exemple, disons que vous avez la progression C-Am-Dm- G et vous avez 3 chanteurs pour le rendre. Comme indiqué ci-dessous, le premier chanteur (ou le premier doigt sur un piano) peut chanter G-A-A-B et le deuxième E-E-F-G et le troisième C-C-D-D. Cette visualisation peut aider à voir les trois lignes mélodiques:

 B B A A A G G G F F E E E D D D C C C 

Même visuellement, on peut voir les trois voix progresser progressivement, avec de petits changements. Par exemple, passer de C (C-E-G) à Am (A-C-E) peut être fait en changeant une seule note, G en A.

En fin de compte, ce qui compte, c'est que quelque chose vous convient. Mais si vous composez et que vous ne savez pas où aller ensuite, ou si vous avez besoin d'améliorer un changement particulier, essayez de regarder les accords comme la progression d'un ensemble de voix individuelles, et vous obtiendrez probablement quelques informations utiles.

Topo a donné une excellente réponse. Je pense que tout simplement, votre choix d'accords (et par conséquent, votre choix ultime de progression harmonique et d '"harmonie" globale d'une mesure / phrase / section / morceau) doit être utilisé d'une manière qui est stylistique (en d'autres termes "c'est le son que j'aime / veux ") mais j'ai aussi un but.

Rappelez-vous que lors de la composition, il ne s'agit pas seulement de la façon dont un accord sonne par rapport à l'accord juste avant ou après. Il s'agit d'avoir un objectif avec une progression harmonique et de décider (de composer) de la manière dont vous voulez atteindre cet objectif. Le but que vous vous fixez et la manière dont vous l'atteignez, c'est le cadre du mouvement dans une pièce.

Par exemple: vous voulez moduler sur la touche dominante. Il existe des méthodes standard pour le faire (disons quelque chose de simple comme I-vi-II7-V (qui est maintenant le I dans votre tonique dominante en raison de l'augmentation de la troisième note du supertonique). Cependant, vous pouvez incorporer d'autres accords , même des accords non diatoniques (bonjour quinte diminuée!) et autres altérations chromatiques dans cette progression I-vi-II7-V (maintenant I en tonalité dominante).

En ayant un objectif (de la modulation tonique à la dominante), vous pouvez maintenant choisir différentes manières d'atteindre cet objectif, que ce soit simple comme décrit ci-dessus, ou vous aventurer dans des harmonies plus élaborées avant d'atteindre votre objectif. Bien sûr, c'est un moyen extrêmement simple d'expliquer cela.

Vous devriez analyser certaines pièces du répertoire de musique classique traditionnelle. En supposant que vous ne soyez pas très à l'aise avec la musique classique, vous devriez trouver quelques pièces plus tardives pour piano de Beethoven. Si vous êtes à l'aise avec la musique classique , essayez d'analyser des pièces romantiques tardives ou même modernes, comme Rachmaninov.

J'espère que ce h elps.

Question délicate.

De la théorie musicale, je ne connais aucune raison de ne pas utiliser l'un des accords de la clé dans n'importe quel ordre. Pourtant, la musique réelle a tendance à être fortement restreinte à la fois à un ensemble limité d'accords et à un ensemble limité d'ordres de ceux-ci, de sorte qu'il est surprenant à chaque fois qu'il y en ait plus.

Une progression d'accords a du sens si cela fonctionne pour vous ou pour la plupart des auditeurs, selon ce que vous voulez dire.

Vous avez raison de dire que vous avez d'une part les innombrables possibles les combinaisons d'accords, et d'autre part celles qui sont réellement utilisées.

La théorie musicale vous dira comment la tension et le relâchement fonctionnent, principalement de la tension, peuvent résoudre, ou faussement résoudre, et quelles tensions sont utilisées dans un contexte donné (spoiler: c'est toujours le triton. Le triton est le majordome de la musique qui l'a fait), et le style vous donnera un contexte. Si vous regardiez toutes les progressions d'accords pour un style donné, je suppose que cela ressemblerait à une nébuleuse, très dense autour des progressions standard, avec des variations moins fréquentes autour d'elle, et encore moins des variations secondaires. La fréquence des progressions d'accords et de l'utilisation des accords n'est pas aléatoire, c'est une culture, c'est ce que nous connaissons plus ou moins. Un peu comme dans une langue, certains mots se retrouvent uniquement ensemble dans une expression, ce qui peut ne pas avoir beaucoup de sens pour nous en soi, mais qui est familier et cohérent en interne, et ils ne seraient jamais couramment utilisés hors de ce contexte. Rien ne vous empêche de prendre un peu une expression et de l'essayer avec un mot avec lequel elle n'a jamais été combinée. Cela pourrait ou non fonctionner ou avoir un sens. Il n'y a aucune raison absolue pour laquelle ce sont les genoux de l'abeille et non la cheville de l'abeille, ou les pois de l'abeille, mais vous pouvez compter sur les gens qui s'attendent à ce que ce soit les genoux.

À titre d'exemple: un revirement trouve son origine dans la candenza classique dans un contexte blusey, et il existe une tradition de retournements et de modèles à jouer, et vous pouvez éviter les attentes ou récompenser l'auditeur avec familiarité à tout moment, jusqu'à ce qu'il un désordre atonal.

Ou prenez la grille des Pas de Géant. Cela n'a aucun sens pour moi sur papier, mais appuyez sur play et ça marche.

L'harmonie classique tourne autour du concept selon lequel la musique mène quelque part. Donc, très généralement, si vous pouvez renforcer le sentiment que la musique va quelque part, cela fonctionnera bien. Le moyen le plus simple d'obtenir un sens aigu de l'orientation consiste à utiliser la progression V-I.

Vous pouvez également utiliser l'astuce pour d'autres accords. Si vous savez que vous voulez un accord à un endroit particulier, essayez de mettre l'accord V ou v correspondant devant lui. Cela donne lieu à des progressions comme II-V ou III-vi, voire I7-IV, qui sont toutes techniquement en dehors du mode, mais fonctionnent parfois bien.

Ce n'est bien sûr qu'un des nombreux principes que vous pouvez utiliser. Chaque cas doit également être jugé esthétiquement.

Sans entrer dans une réponse plus détaillée techniquement que ce que je suis prêt à donner, je pense que ce que vous demandez, c'est "la voix". Même si nous ne pensons généralement pas à eux de cette façon, l'idée derrière beaucoup de musique d'accords, au moins pour une grande partie de l'histoire occidentale, était que les accords puissent être analysés comme un ensemble de voix instrumentales individuelles en cours d'exécution. simultanément, interagissant les uns avec les autres. La réponse très, très abrégée est que plus votre séquence d'accords peut être analysée de manière cohérente et logique, plus elle sonne "mieux".

Maintenant, BEAUCOUP de personnes bien informées pourraient vouloir crier et crier à cela réponse, et ils auraient raison. Allez écouter "Giant Steps" de John Coltrane pour voir un exemple parfait de la façon dont vous pouvez faire de l'art historiquement grand - presque magique, vraiment, si vous me demandez - en ignorant ostensiblement ce que je viens de dire.

Mais dans beaucoup de cas, ça tient. Peut-être recherchez-vous sur Google des informations sur la voix dominante dans la musique moderne et voyez si ce n'est pas le point technique qui sous-tend ce que vous demandez.