Mais qu'en est-il de la musique tonale moderne? J'ai joué sur mon piano avec des progressions d'accords qui enfreignent toutes ces "règles" et si vous me pardonnez d'avoir pris le risque de paraître arrogant, j'ai l'air incroyable!

J'ose dire tu fais! Cependant, même si vous enfreignez ces règles, vous obéissez probablement aux plus récentes. Au fil du temps, de plus en plus de styles sont inventés, présentés et raffinés, conduisant à de nouvelles règles qui font partie du vocabulaire musical des gens ... et il y a de moins en moins de choses qui sonnent «mal».

Malheureusement , l'enseignement du solfège ne parvient souvent pas à présenter les règles des styles plus récents avec autant d'enthousiasme que les plus anciens, ce qui peut donner l'impression que la musique ancienne consiste à suivre des règles et que la musique plus récente consiste à les briser, ce qui n'est pas vraiment le cas.

Sur un point plus spécifique, l'égalité de tempérament a été une innovation assez importante car elle permet à plus de types de relations harmoniques de fonctionner.

De plus, comment puis-je savoir si une certaine idée musicale (c.-à-d. Une mélodie et son harmonie qui l'accompagne) fonctionnera si je devais simplement noter la musique sans la cueillir d'abord sur mon piano?

• Considérez qui votre auditeur
• Élaborez tous les 'ensembles de règles' possibles qu'un auditeur particulier accepte comme étant 'certains chose qui fonctionne »
• puis déterminez si cette mélodie et cette harmonie suivent l’un de ces ensembles de règles.

Cela peut sembler plutôt désinvolte, mais une grande partie de la musique est sur les attentes - configurez tout type de modèle qui permet l'exploration d'un espace dans un certain ensemble de limites et vous constaterez probablement que certaines personnes trouveront que cela `` fonctionne '', subjectivement.

Tout d'abord, vous ne comprenez pas tout à fait ce que vous soulevez. Les quintes et octaves parallèles ont méprisé ce contrepoint non pas parce qu'elles sonnent mal, mais parce qu'en contrepoint vous voulez que toutes vos mélodies soient indépendantes et que les octaves et quintes parallèles rendent vos mélodies interdépendantes. Le 7ème dominant est devenu populaire en raison du triton et du contraste de consonance et de dissonance en a fait un outil très puissant pour les compositeurs. Cette limite de consonance et de dissonance au fil du temps peut même être qui, si vous suivez suffisamment le chemin de l'histoire de la musique, mène à l'émancipation de la dissonance qui est à peu près la stat des idées atonales.

Il n'y a pas de "théorie unique" à la musique, il existe de nombreuses, sinon une infinité d'approches pour composer et analyser la musique. La période de pratique courante est cependant généralement le point de départ de tout cours de théorie musicale en raison des racines de beaucoup de musique d'aujourd'hui qui ont leurs racines dans cette harmonie fonctionnelle. Vous pouvez toujours trouver des contre-exemples, mais la plupart des chansons que vous regardez auront au moins un soupçon d'harmonie fonctionnelle. Cela ne veut pas dire que l'harmonie fonctionnelle est la seule chose qui fonctionnera à nouveau.Il existe de nombreuses théories et styles que vous pouvez choisir, vous aimerez peut-être certains et vous n'aimerez peut-être pas d'autres, mais ils ont tous quelque chose à offrir pour la composition.

De plus, comment savoir si une certaine idée musicale (i, e. Une mélodie et son harmonie qui l'accompagne) fonctionnera si je devais simplement noter la musique sans la cueillir d'abord sur mon piano?

Ce n'est pas le but de composer une mélodie et un accompagnement. Toute théorie que vous étudiez vous donnera une idée de la façon d'harmoniser une mélodie et de ce que les mélodies fonctionnent et non. En vous contentant de l'harmonie fonctionnelle, vous pouvez harmoniser n'importe quel majeur avec uniquement les accords primaires et avec une connaissance légèrement plus avancée de l'harmonie fonctionnelle et de l'utilisation d'accords empruntés, d'accords napolitains et d'accords augmentés, vous pouvez harmoniser à peu près n'importe quel type de mélodie.

Le problème est que si cela peut sembler correct, cela ne veut pas dire ce qui fonctionne le mieux ou ce que vous recherchez en tant que compositeur . Ceci est important et empêche généralement les compositeurs novices de vraiment progresser. Vous devez savoir comment quelque chose sonne et comment l'utiliser comme outil de composition. Le train d'oreille devrait vous donner une idée de base de la façon de noter ce que vous entendez et entendez ce qui est noté, mais encore une fois, il y a beaucoup de choses là-bas et plus vous étudiez, mieux vous serez.

"De plus, comment savoir si une certaine idée musicale (c'est-à-dire Une mélodie et son harmonie qui l'accompagne) fonctionnera si je devais simplement noter la musique sans la cueillir d'abord sur mon piano?"

Vous cultivez votre "oreille interne". Une facilité essentielle pour tout compositeur, arrangeur etc.

Avant qu'il y ait l'harmonie Common Practice, il y avait Organum. NE PAS utiliser des quintes parallèles aurait "enfreint les règles"!

Les élèves se soucient beaucoup trop des "règles". Ils sont utiles jusqu'à ce que vos oreilles et votre expérience vous permettent de juger par vous-même si un certain choix de notes affaiblit ou renforce votre musique. Comprenez-vous pourquoi une 5e parallèle affaiblit la richesse de l'harmonie SATB à la Bach? Rendez-vous ensuite à l'IMSLP et dégustez "Petites Litanies de Jesus" de Gabriel Grovlez et plongez-vous dedans! Mais notez également comment il suit bon nombre des anciennes «règles» concernant la direction de la voix et la densité harmonique.

Toutes les réponses ci-dessus sont correctes. On peut généraliser ici: les règles qui régissent ce qui est permis en musique évoluent, à la fois dans les cultures et chez les individus. Bach est beau à l'intérieur et à cause de ce qui lui est interdit, tout comme Patti Smith.

Vous pouvez créer vos propres règles. Mais rien ne garantit qu'ils fonctionneront pour tout le monde ou pour n'importe qui d'autre. Si vous essayez d'écrire sans règles, vous obtiendrez ce que la plupart des gens considèrent comme étant en marge de la musique, ou pas du tout de la musique:

Il doit y avoir quelque chose dans chaque morceau de musique qui a survécu jusqu'à nos jours pour qu'il reste frais, inspiré et mérite d'être conservé dans le répertoire. Être passionné par les styles baroque et pré-baroque n'embrasse pas une mode étrange et horriblement limitée pour enregistrer quatre concertos liés d'un Antonio Vivaldi et ignorer manifestement ses `` autres '' compositions. facteur de survie, je ne suis pas si sûr. La question est subjective. Les goûts changent et une période a accueilli d'autres compositeurs incorporant le matériel emprunté dans leur propre travail comme norme. Aujourd'hui, cela relèverait du plagiat. Comme pour écrire une thèse et copier et coller le travail d'un autre. Oh mon Dieu!

Réponse 1 - Culture, tradition, esthétique. Les musicologues vous diront que les règles d'harmonie et de contrepoint que vous évoquez sont un produit spécifique du temps, du lieu et de la culture. Ils nous viennent à travers certaines traditions occidentales très particulières de la musique. Certains ont été favorisés par rapport aux autres, car ils sonnaient mieux, ou ils étaient répartis de manière populaire. Si vous jetez un œil à ce qui reste de certaines des traditions folkloriques et madrigales européennes, vous trouverez des «règles» alternatives pour la création musicale, avec une esthétique différente. Accordages de quart de ton farfelus et syncope effrontée. Vous trouverez cette diversité reproduite à travers le monde.

Réponse 2 - Si vous avez appris l'histoire des non-nos classiques, vous aurez entendu parler de l'évitement du «triton du diable» et de l'utilisation de harmonies étroites pour éviter les soi-disant «clés de loup». Ces conventions sont nées non pas à cause d'une erreur musicale inhérente, mais à cause des limitations physiques des instruments historiques. Il était difficile de se mettre au diapason et de se tenir au courant. Si vous écriviez des harmonies au-delà de ce que la séquence harmonique de base de la physique fournissait, cela semblerait juste désordonné. Mais avec des instruments modernes, vous pouvez vous inspirer de tellement plus d'ambiances, en utilisant à bon escient ce qui aurait pu être méprisé autrefois comme désordonné.

Réponse 3 - Mon mari et moi avons suivi une formation de compositeur dans un institut de musique. L'art de pouvoir entendre et retenir dans son imagination ce que vous allez mettre sur papier vient avec la pratique. Essayez-le à l'envers: entraînez-vous à lire les scores. Écoutez les enregistrements et suivez les parties. Essayez-le avec de petits ensembles et de grands orchestres. Ensuite, voyez si vous pouvez travailler jusqu'à transcrire ce que vous entendez dans un enregistrement. C'était un exercice régulier dans nos classes, qui est devenu progressivement plus compliqué. Avec le temps, votre imagination auditive sera mieux alignée sur votre capacité d'écriture. Au fil du temps, vous pourrez simplement lire une partition et l'entendre dans votre esprit (la façon dont vous entendriez les mots en lisant un livre), et vous entendrez et créerez également vos idées mentalement avant de les écrire.

Nous pratiquons cela avec des mots toute notre vie, mais pas avec des sons et des images, puis nous nous émerveillons quand les autres font comme si c'était une sorte de sorcellerie! C'est juste une autre partie de votre cerveau, qui attend de grandir.

P.S .: Je suis heureux d'apprendre que vous expérimentez des idées musicales dont vous aimez le son. :)